Câmbio e Desligo

Doze Homens e Uma Sentença

2012-01-16T02:48:00.000-08:00

O Projeto Uma Peça por Mês 2012 começou com o pé-direito. A peça escolhida para este mês de janeiro foi “Doze Homens e Uma Sentença”, versão nacional dirigida por Eduardo Tolentino para o texto de Reginald Rose, em cartaz no Tuca.

Apesar de conhecer relativamente bem a trama – exemplo clássico em qualquer aula de roteiro/dramaturgia – nunca tinha visto o filme, de 1957. Essa “falha” acabou deixando a experiência ainda mais interessante, já que cada fala revelava uma camada diferente sobre os personagens e, no fundo, sobre nós mesmos e nossos preconceitos e intolerâncias particulares.

A montagem na arena do Tuca coloca apenas uma mesa ao centro, e alguns poucos elementos de cena, como um cabideiro e um bebedouro. A iluminação muda em brevíssimos momentos (quando cai a noite, por exemplo) e só. A força mesmo fica com o elenco formado por atores maduros e, principalmente, com o primoroso texto de Rose.

Para quem não conhece, a história se passa numa sala de jurados de um tribunal americano. Lá, os doze integrantes do júri precisam decidir se um jovem acusado de matar o pai com uma facada é inocente ou culpado, o que condenaria o réu à cadeira elétrica. A decisão precisa ser unânime, e é aí que está o problema: enquanto onze homens consideram o garoto culpado, um ainda não está completamente convencido.

A partir daí, tem início um impressionante jogo de argumentação e questionamentos, no qual a situação é um microcosmo das relações humanas, que serve hoje tão bem para a sociedade quanto 50 anos atrás, na época da montagem inicial, e certamente ainda sobreviverá como reflexão por muitos séculos.

Zoo Station

2012-01-09T07:45:00.000-08:00

“Time is a train makes the future the past
Leaves you standing in the station
Your face pressed up against the glass”

Estou pronto.

O momento talvez não seja o ideal. Mas, afinal de contas, quando será? Não sou de ficar esperando. Aquele dia perfeito nunca chega num passe de mágica.

Estou pronto.

Pronto pra cair, pronto pra levantar. Maquinista do trem do meu próprio tempo, que para nas estações e leva junto quem está disposto a seguir o mesmo trajeto.

Em alta velocidade, não há como olhar pra trás.

Estou pronto.

E pra quem não estiver junto, mando um cartão postal.

Os Melhores Filmes de 2011

2011-12-28T04:23:00.000-08:00

10. “Amores Imaginários”, de Xavier Dolan
O jovem canadense desponta como uma das grandes promessas dessa década que se inicia. Neste seu segundo filme, coloca fôlego novo no velho caso do triângulo amoroso, objeto de milhões de produções ao longo da história do cinema, e faz de uma forma a soar moderno, conectado de forma orgânica com seu público.

9. “O Discurso do Rei”, de Tom Hooper
Colin Firth, Geoffrey Rush e Helena Bonham-Carter formam um trio muito bem azeitado para contar a história de como o Rei Jorge VI da Inglaterra venceu seus bloqueios para assumir seu papel no trono. Podia ser uma obra banal, mas as atuações, os diálogos inspirados (com o infalível requinte britânico) e os enquadramentos do filme de Tom Hooper elevam o nível.

8. “Reino Animal”, de David Michôd
Quem poderia imaginar que a ensolarada Austrália tem em seu submundo uma máfia tão ameaçadora quanto as retratadas nos filmes de Martin Scorsese? Aqui não há laço de família forte o suficiente para se sobrepor à lei do mais forte. Em seu primeiro longa de ficção, Michôd mantém o clima de tensão numa trama onde ninguém está seguro.

7. “Meia-Noite em Paris”, de Woody Allen
Depois da decepção “Você Vai Conhecer o Homem dos Seus Sonhos”, Allen voltou inspirado com essa fábula sobre um escritor que tem a chance de encontrar seus ídolos num passe de mágica. É um belo conto, sobre deixar de viver no passado e ir atrás do que te faz feliz no presente e vai construir seu futuro.

6. “Hanna”, de Joe Wright
O filme mais subestimado do ano. Ainda não entendi porque esse empolgante thriller foi praticamente ignorado no exterior e, consequentemente, jogado direto para o DVD por aqui. O diretor de “Orgulho e Preconceito” e “Desejo e Reparação” mostra que pode ser melhor ainda fora dos filmes de época, e a menina Saoirse Ronan surpreende como heroína.

5. “Exit Through The Gift Shop”, de Banksy
Mais uma provocação do genial artista misterioso Banksy. Nesse “documentário”, ele brinca com o conceito de arte ao construir o mito de Mr. Brainwash, que da noite para o dia vira O cara para a galerinha descolada. Ao mesmo tempo em que satiriza essa cultura, o filme também conta a história dos principais nomes da street art atual.

4. “Tudo pelo Poder”, de George Clooney
Aos 45′ do 2º tempo estreou no Brasil este magnífico e tenso thriller político, no qual Ryan Gosling encarna um jovem idealista que, ao entrar nas profundezas da disputa presidencial norte-americano, acaba por cair numa areia movediça da qual não sairá limpo. O elenco de luxo só ajuda: Phillip Seymour Hoffman, Paul Giamatti, Marisa Tomei, Jeffrey Wright, Evan Rachel Wood, além do próprio Clooney, em seu melhor trabalho como diretor.

3. “Melancolia”, de Lars Von Trier
O egocêntrico dinamarquês mostra mais uma vez porque é um dos cineastas fundamentais do mundo contemporâneo. O duelo entre Kirsten Dunst (no que de longe é seu melhor papel no cinema) e Charlotte Gainsburg expõe duas filosofias que se chocam toda hora em tempos atuais: enquanto uma torce para que o fim do mundo acabe com seus problemas, outra se agarra como pode para manter as coisas em ordem.

2. “Cópia Fiel”, de Abbas Kiarostami
Nesse filme que agrega diferentes culturas, o iraniano Kiarostami nos leva numa viagem pela Toscana com o inglês William Shimell e a francesa Juliette Binoche. No percurso, discussões sobre relacionamentos, escolhas e arrependimentos. Nada é o que parece, num jogo que traz mais perguntas do que respostas.

1.“Cisne Negro”, de Darren Aronofsky
Não adianta reclamar só porque seu colega que não é pseudo-intelectual também entendeu o filme. “Cisne Negro” é do cacete, e a bailarina de Natalie Portman será sempre lembrada no panteão das personagens mais perturbadas do cinema. De quebra ainda elevou Mila Kunis ao status de musa. E que fotografia! E que edição! Filme de arte para as massas.

Essência Guardada

2011-10-05T07:30:00.001-07:00

Costumava-se acreditar que as fotos roubam a alma.

Ela nunca ligou para isso. Desde pequena faz pose, gosta da atenção, ensaia para ser capa de revista.

Até que os anos passaram e começou a sentir falta de alguma coisa. Algo dentro dela havia se perdido. Tudo estava amortecido, um pouco menos vivo.

Será que, no meio de tanta exposição aos flashes, sua alma teria sido surrupiada de fininho, sem se dar conta?

Deu um fade out nos sonhos, se recolheu, pensou em desistir.

Continua posando, na esperança em que algum momento o feitiço vire ao contrário. Talvez a lente da câmera canse de brincar e uma hora devolva-lhe o que tomou, no que seria a foto perfeita.

Mal sabe ela que sua alma não está escondida entre obturadores, diafragmas ou filmes. Encontra-se muito bem guardada, protegida por uma caixa-forte, dentro do meu peito. Bem do jeito que ela me entregou.

Quando ela me chama

2011-08-25T12:11:00.000-07:00

I have an audience with the Pope
And I’m saving the world at 8
But if she says she needs me, if she says she needs me
Everybody’s gonna have to wait

A voz dela me chamando é música. Começa suave, explode num refrão heavy metal e invariavelmente termina no blues.

A voz dela me chamando é música. Daquelas que grudam na cabeça e me pego assoviando desavisado pela rua.

A voz dela me chamando é música. Melodia de acordes pungentes, letra que nem sempre rima.

A voz dela me chamando é música. E eu danço cada vez que ouço.

Benvindo

2011-08-11T15:44:00.001-07:00

Era o destino. Cada passo que eu dei, cada palavra que ouvi, cada lugar que visitei. Tudo isso me trouxe até este 12 de agosto de 2011.

Cada lágrima, cada riso, cada momento compartilhado. Cada apresentação de seminário que virou um filme caseiro, cada projeto de faculdade que virou um documentário, cada incursão no mundo corporativo que virou um programa de TV interno.

Cada amigo antigo, cada amigo novo. Cada pessoa que acreditou em mim. Todas as musas inspiradoras. A mulher que eu mais amei na vida. Tudo isso me trouxe até esse momento.

A partir de hoje, Saturno estará de volta a seu lugar. Eu, que há tanto tempo me dizia perdido, agora já tenho um mapa desenhado por mim mesmo. Cheio de tesouros escondidos e que mal posso esperar para descobrir.

Hoje é o dia em que eu nasço de novo.

Rebelião silenciosa

2011-08-10T06:02:00.000-07:00

A pena são 8 horas diárias. As grades são os pensamentos limitados que pairam no ar. Meus colegas de cela dividem-se entre os que traçam planos de fuga e aqueles que já se conformaram com anos de penitência ou até, nos casos mais graves, a prisão perpétua.

Minha alma, mais londrina do que nunca, se revolta, ateia fogo, quebra janelas, sai às ruas para gritar! Mas, nesse jogo de aparências, apenas meneio a cabeça e digo que está tudo bem.

Na contagem regressiva para uma liberdade que não tem data certa para chegar, me apego à esperança de que não demore muito. Porque sei que existem coisas raras na vida pelas quais vale a pena esperar.

Etílica

2011-08-08T06:37:00.000-07:00

O primeiro gole subiu pelo canudinho direto à cabeça, sem escala na língua para marcar seu gosto levemente amargo.

Era o final de uma semana longa. Sugava sua bebida com a urgência de alguém que acaba de submergir e busca ar livre. Os cabelos também já não estavam mais presos, passaram a ser só ondulações, um mar de fios dourados na paisagem.

Os copos se sucediam. O riso ficava mais solto. Os olhares eram todos dela. Não estava acostumada a ser o centro das atenções, mas aquilo era uma sensação boa. Incrível. Suas piadas eram agora engraçadas, suas sacadas eram de uma profundidade jamais vista, seu carinho por todos ao redor mal cabia em seu corpo franzino.

O frio havia passado. Tirou a blusa e saiu para fumar um cigarro. Exalava confiança, uma fragrância mais atraente que qualquer perfume francês. Sentia-se ousada. Sentia-se desejada. Sentia-se sexy.

Mas hoje não lembra.

A arte do elogio

2011-07-26T10:23:00.000-07:00

Como Jerry Maguire já avisava em seu discurso (aquele que conquistou Renee Zelwegger logo no “oi”), vivemos num mundo cínico.

São tempos em que olhamos tudo com desconfiança, porque na maioria das vezes as coisas nunca são o que aparentam. Quantas vezes nos perguntamos se aquela pessoa é simpática assim mesmo ou quer alguma coisa de nós? E quando alguma convenção social idiota nos obriga a dar tapinhas nas costas de alguém que na verdade gostaríamos é de esfaquear?

Mas esse texto é sobre o oposto disso. É sobre aquela hora em que queremos elogiar alguém apenas e tão somente porque achamos que merece.

Outro dia uma amiga apareceu tremendamente bem vestida aqui no escritório. Por bem vestida, entenda-se: calça jeans, camisa listrada e casaco de couro – Sim, talvez eu seja fácil de agradar, é só aparecer com um visual estilo Joan Jett e você ganha pontos.

A pergunta que repetia aos meus botões era: como dizer pra ela que ela está linda sem que isso fique parecendo um gracejo, ou um galanteio barato?

O ideal é que o assunto surgisse de forma espontânea, com ela passando novamente na minha frente. Mas não foi o caso. A tarde acabava e ela continuava lá, bonitona, sentada em sua mesa.

Acabei apelando para uma abordagem virtual, via Messenger interno, e medindo com régua cada palavra para não virar um @pedreiro.

No final das contas, acho que a mensagem foi transmitida. Mas não seria mais fácil viver num mundo em que eu pudesse simplesmente chegar lá, dizer “como você tá bonita hoje!” e não ser considerado um freak, xavequeiro ou qualquer coisa diferente de alguém que viu algo que gostou e verbalizou seu apreço?

E você, já elogiou alguém hoje?

EXatamente

2011-07-22T10:33:00.000-07:00

“I won’t let you close enough to hurt me
I won’t ask you, you to just desert me
I can’t give you what you think you’re giving me
It’s time to say goodbye to turning tables”

Qual é o papel que me cabe agora? Nesse roteiro escrito a quatro mãos cujo final foi um fade out abrupto, daqueles de deixar o público se perguntando: “é só isso”?

Agora que você escreve suas histórias com outras companhias, passeia por outros cenários, enquanto eu sigo nesse bloqueio criativo que me deixa sem ar?

E não há espaço para mim, eu sei, não algum que eu queira preencher. O destino será caçar traços seus em outros rostos, suas palavras em outras vozes, ou então procurar exatamente o oposto do que você era, e assim apenas provar que não, ainda não te esqueci.

O passado acabou, o presente é opaco e o futuro parece longe demais.

Fiel escudeiro

2011-07-20T12:14:00.000-07:00

"“Se eu te troquei, não foi por maldade
Amor, veja bem, arrumei alguém chamado saudade”

A noite caiu, e não trouxe escapatória.

O relógio bateu 18 horas e ao invés do alívio de antigamente, sentiu apenas angústia. Era hora de preencher as próximas horas. Estranho como o tempo é mesmo relativo. Houve uma época em que qualquer minuto era pouco, qualquer hora insuficiente... Eram tantos planos, tanto o que fazer, aquele cansaço prazeroso que vinha quando colocava a cabeça no travesseiro.

Agora é tudo uma insistente escuridão.

Puxa um cigarro. Senta na mesa do bar. Tudo na esperança de matar o tempo, antes que morra de tédio. Para quem vem puxar conversa, tenta disfarçar com uma piada ou outra banalidade. Um olhar mais atento enxergaria um buraco, se alguém estivesse interessado em procurar.

Um a um, todos vão se despedindo. Fica quase só.

Quase. Porque se acostumou a levar junto o vazio, visitante que fez casa em seu peito, se instalou e não parece ter pressa em ir embora. Fica lá arrastando o pé, batucando... Insiste em avisar que está presente.

Sai andando, entra no carro. Se ainda sentisse alguma coisa, provavelmente choraria. Mas agora tudo pertence ao vazio, companheiro de todos os momentos. Segue o caminho. Passa pela porta. Deita na cama. E só.

“Wasting Light” – Foo Fighters

2011-06-01T07:05:00.000-07:00

Uma das últimas grandes bandas surgidas nos anos 90, o Foo Fighters corria o sério risco de cair na irrelevância. Os últimos álbuns, ainda que bons, seguiam uma fórmula segura: rock com pegada pop que você é capaz de ouvir cinqüenta vezes seguidas sem nenhum esforço, mas que no dia seguinte já deixou pelo caminho.

A sensação ao ouvir o excelente “Wasting Light” é que Dave Grohl tirou o traseiro da zona de conforto e resolveu quebrar tudo. Auxiliado pelo antigo parceiro Pat Smear, que havia deixado a banda em 1996, e pelo produtor Butch Vig (com quem já havia trabalhado em “Nevermind”, do Nirvana), Grohl construiu o álbum mais pesado e coeso da carreira dos Foo Fighters.

A voz gritada e as guitarras de “Bridge Burning”, a primeira música, abrem o caminho. O clima do álbum é de acerto de contas.

Conhecido internacionalmente como um dos caras mais gente-fina do rock, Grohl não tem aqui nenhum momento de fofura. Até nas “quase baladas” de “Wasting Light”, o vocalista destila doses de rancor. “Você fugiu de mim / Agora fique longe de mim”, em “Dear Rosemary”, “Quando você disse que eu não te dava o suficiente / Comecei a desistir de você”, de “Arlandria”, e o refrão mais direto, em “I Should Have Known”, “Não consigo te perdoar ainda”.

A intenção dos Foo Fighters em ter abraçado seu lado negro não importa. Eles parecem felizes neste vídeo aqui, onde tocam o álbum na íntegra.

Por que eu parei de acreditar no Omelete

2011-03-25T05:35:00.000-07:00

Ah, a internet... Essa maravilha que multiplicou o número de críticos de cinema por mil. Hoje um dia basta tempo, disposição, um computador e voilá, você está pronto para jogar suas ideias para o mundo, esteja o mundo preparado para ouvir ou não.

Nesse imenso labirinto de opiniões que virou a rede – e, claro, eu assumo minha participação – cabe ao leitor separar o joio do trigo e saber em quem confiar se quiser levar em consideração o julgamento de algum “especialista” antes de escolher o filme que vai assistir nesse final de semana.

Esse post é para assinalar que, na minha seleção pessoal, o site Omelete.com.br foi definitivamente para a coluna do joio.

Há algum tempo já andava discordando do fetiche por tudo que é de temática nerd/geek que impera no site, mas a gota d’água foi a cobertura de Sucker Punch – Mundo Surreal, atualmente no ar.

Assisti ao filme ontem, numa sessão exclusiva justamente para convidados do Omelete. É simplesmente uma bomba em que nada funciona. O roteiro parece ter sido escrito por uma criança de 12 anos que ainda não aprendeu o significado da palavra coerência, as personagens não têm empatia nenhuma (a menos que você seja adolescente e/ou pedófilo) e as cenas de ação são repetitivas.

Pior que o Sucker Punch são os elogios dados pelo Omelete, que chegou a chamar de o filme de ação quase perfeito. A crítica de Érico Borgo é uma lista de adjetivos vazios, jogados sem grandes explicações.

E não é que eu não permita a alguém discordar de mim. Mas eu convido você a ir ao cinema e emitir sua opinião.

Depois disso, me ajude a entender. Será que o Omelete gostou tanto assim do filme ou simplesmente não pegava bem falar mal, depois de ter conseguido junto à Warner entrevistas com elenco, acesso às filmagens, pré-estreia exclusiva e tudo mais?
Para mim isso tem um nome muito simples: jabá.

O próprio Érico Borgo disse ontem antes do filme que a distribuidora estava preocupada com uma possível performance ruim nas bilheterias mundiais, mas estavam apostando que o público brasileiro iria “entender”. Acho que a tradução mais apropriada é: estão apostando que o público brasileiro engole qualquer coisa.

Porém, confio no bom senso do brasileiro e acredito que o filme será um retumbante e merecido fracasso.

E o Omelete perdeu pelo menos um leitor.

Lá vou eu, lá vou eu. Hoje a festa é na Avenida.

2011-03-11T04:40:00.000-08:00

“Sair em uma escola de samba” deve ser um item freqüente na lista de Coisas para Fazer Antes de Morrer da maioria das pessoas. Confesso que não estava na minha.

Absolutamente nada contra. Não sou daquele tipo que odeia Carnaval, mas ao mesmo tempo também nunca me interessei muito em ir atrás do que era preciso fazer para estar num desfile.

Mas eis que Dona Luana Palhares, que já tinha essa experiência na bagagem, começou a plantar a ideia na minha cabeça, no melhor estilo “A Origem”. Com uma empolgação tão irrefreável quanto um trem-bala, ela expôs todas as vantagens e benefícios dessa empreitada.

No mesmo dia dessa conversa, fiz minha primeira visita a uma quadra de escola de samba (na X9) e foi sensacional. Sai de lá cantando com velhinhas desconhecidas na rua, a bateria ainda zunindo no ouvido e definitivamente conquistado.

Por motivos logístico-financeiros, a escola que teve a honra de contar com o meu samba no pé foi a Águia de Ouro. Deveras apropriado, já que é a agremiação da minha comunidade, a Pompéia.

Contou também o fato da fantasia escolhida ser bastante estilosa: Cavaleiro Templário, algo que será reaproveitado daqui para a frente em todas as festas à fantasia que eu for. Já a Luana saiu na ala das passistas. Diga para as pessoas que você está com uma passista e sinta o respeito que isso impõe...

No sábado, dia do desfile da Águia, partimos para a concentração num barzinho da Lapa, o ponto de encontro da Ala do Tripa. Dezenas de “cavaleiros templários” de todas as idades, gêneros, raças, crenças, classes sociais (o grande clichê do Carnaval) começavam a festa lá mesmo, num clima bastante acolhedor. O próprio Tripa, dono da ala, é uma figuraça: alto, voz grossa, ar sempre ébrio, caloroso. É a personificação do espírito que pairava por lá.

Do bar direto para o ônibus fretado que nos levaria ao Anhembi. Batuques e cantoria do samba-enredo, cujo tema era o fogo, davam o tom. Parecia excursão de colégio, não fosse a distribuição de cerveja.

A concentração antes de entrar na Avenida é a parte chata do processo. Ter que esperar duas horas e meia de pé, com aquela fantasia pesando nas suas costas, não é lá muito agradável. Sem contar a tensão que paira no ar, com os membros da escola se esgoelando para manter todo o bando em formação certinha, com medo de que qualquer movimento em falso possa trazer prejuízo à pontuação.

Quando finalmente chega a hora de entrar em cena, tudo isso já não importa mais. Ver aquela arquibancada lotada, passar por um lugar que você já viu na TV tantas vezes e agora estar lá dentro, "no meio desse povo"... É algo único. A passagem de uma pessoa pela passarela dura em média vinte minutos, um piscar de olhos. Mas são vinte minutos que a gente não esquece nunca.

Para quem não tem essa experiência na lista de coisas pra fazer antes de partir dessa pra uma melhor, vale a pena adicionar. Quem já tem na lista, se apresse! Em 2012 nos vemos no Anhembi!

Algumas fotos dessa saga:

Eu e o Tripa: ele deve agradecer que não existe teste do bafômetro para dirigir carro alegórico.

Cavaleiro Templário em guarda.

Ser passista é apenas para quem pode...

Como todo mundo sabe, o Cavaleiro sempre fica com a mocinha no final.

Apostas para o Oscar 2011

2011-02-22T09:19:00.000-08:00

Época de Oscar é igual época de Copa do Mundo. De repente, todo mundo vira especialista em cinema, faz apostas, diz quem merece ou não ganhar a estatueta mais famosa do mundo.

Para quem é cinéfilo praticante o ano inteiro, é uma ótima oportunidade para falar com mais gente sobre uma de nossas atividades preferidas, se envolver em polêmicas e, claro, morrer de raiva com algumas decisões da Academia.

Este ano consegui ver todos os filmes indicados que estrearam por aqui, e por isso me sinto mais à vontade para dar uma opinião mais embasada. Divido abaixo minhas opiniões sobre os 10 concorrentes na categoria melhor filme, em ordem de preferência:

Cisne Negro
Já escrevi aqui no blog sobre ele. Foi o filme que mais me impressionou: história forte, bem conduzida, dirigida de forma segura e criativa por Darren Aronofsky.

Chances de ganhar: vem abaixo dos favoritos “O Discurso do Rei” e “A Rede Social”, é uma zebra possível, ainda que improvável. O mesmo vale para o diretor. Natalie Portman deve ganhar merecidamente como melhor atriz, e o filme ainda tem chances nas categorias edição e fotografia.

O Discurso do Rei
Seu formato acadêmico vem dividindo opiniões, e eu estou entre os que gostaram bastante. Ao contrário do que muitos dizem, não é exatamente um filme “quadrado”: tem umas tomadas com a câmera em posições mais “descoladas”, e o personagem de Geoffrey Rush não faz cerimônia em fazer a Coroa Britânica descer do pedestal.

Chances de ganhar: Além de Colin Firth ser barbada para melhor ator, é considerado o favorito a melhor filme, até por ter uma levada capaz de “agradar gente de todas as idades, crenças, raças, etc”... Esse impulso pode levar junto o diretor Tom Hopper, o roteiro original e mais algumas categorias técnicas como direção de arte, figurinos ou até edição e fotografia.

A Origem
O grande filme do verão norte-americano foi celebrado como o melhor blockbuster hollywoodiano desde Batman – Cavaleiro das Trevas. Naquela ocasião, muitos esperavam a inclusão da obra-prima de Christopher Nolan entre os nomeados a melhor filme, coisa que não aconteceu. Desta vez, com 10 na principal categoria, “A Origem” teve espaço.

Chances de ganhar: como foi lançado no meio do ano passado, chega ao Oscar com chances reduzidíssimas na categoria principal. Mas ainda pode levar para casa um merecido prêmio para o roteiro original, escrito por Nolan. Das outras 6 indicações, deve ficar com algumas das técnicas, como efeitos especiais, som, edição de som.

Bravura Indômita
Os irmãos Coen deixam um pouco de lado seus personagens bizarros e as comédias de erro para entregarem um western vigoroso e tocante, carregado nas costas pela química entre a estreante Hailee Steinfield e o veterano Jeff Bridges.

Chances de ganhar: seria um exagero os Coen ganharam novamente, apenas três anos após a consagração de “Onde os Fracos Não Têm Vez”. Hailee pode desbancar a favorita Melissa Leo como atriz coadjuvante (embora a menina seja claramente a protagonista do filme), e a belíssima fotografia é digna de Oscar. Como qualquer filme de época, pode levar direção de arte e figurinos.

127 Horas
Danny Boyle levou seu ritmo acelerado até mesmo para um filme que à primeira vista poderia ser parado, já que fala de um homem preso a uma pedra. A combinação resultou num filme emocionante, também pela grande atuação de James Franco. Não gosto muito de Franco, mas nessa tenho que dar o braço a torcer...

Chances de ganhar: se não tivesse pela frente Colin Firth, James Franco teria chances consideráveis. Mas este ano ele deve se contentar em ser o mestre de cerimônias da festa, o que não é pouca coisa. O filme concorre em 6 categorias, e pode levar edição e canção original, que é interpretada pela cantora Dido.

Minhas Mães e Meu Pai
É o representante das comédias entre os 10 indicados, e tem como sua principal força as atuações de Annette Bening, Julianne Moore e Mark Ruffalo, além do roteiro inteligente e atual.

Chances de ganhar: não leva melhor filme, mas é o tipo de roteiro original “moderno” que vez por outra abocanha o prêmio em sua categoria. Há quem diga que Annette pode surpreender e tirar injustamente o Oscar da Natalie Portman – o que seria explicado por um reconhecimento da Academia à carreira da atriz, que está em sua 4ª indicação e nunca ganhou.

A Rede Social
Um dos filmes mais aguardados de 2010 foi um pouco decepcionante, pelo menos para mim. De qualquer forma, o filme tem seus admiradores e suas qualidades, embora eu discorde que seja o filme símbolo da geração deste início do século.

Chances de ganhar: está na disputa acirrada com “O Discurso do Rei” pelo prêmio principal. David Fincher pode finalmente ganhar seu Oscar de diretor, em um filme que tem pouco de sua assinatura e traz como grande trunfo o roteiro adaptado, este sim favorito destacado em sua categoria.

Toy Story 3
A Disney/Pixar quase lançou esse filme direto em DVD, mas acabou dando mais uma oportunidade de Woody, Buzz e companhia brilharem na tela grande. Acertaram na mosca com uma trama sobre a perda da inocência, quase tão melancólica quanto “Up”.

Chances de ganhar: Tem tudo para levar na categoria melhor animação, e pode levar canção original. Como melhor filme, faz figuração.

O Vencedor
Ano sim, ano não temos um filme de boxe entre os concorrentes. Este mais recente exemplar mostra um boxeador que tem como principal adversário sua família disfuncional. Oscila entre o caricato e a alma genuína, principalmente quando estão em cena Christian Bale e Melissa Leo.

Chances de ganhar: tem algum apoio na disputa de melhor filme, mas as chances mesmo estão nos coadjuvantes Bale (que está soberbo, de fato) e Melissa, que andou fazendo uma campanha de auto-promoção que pode ter prejudicado sua reputação quanto os votantes.

Inverno da Alma
Este para mim é o estranho no ninho. Nem tanto por ser pequeno e independente (esses tem sempre uma vaguinha garantida para satisfazer o público mais alternativo), mas sim por ser o mais fraco entre os 10 nomeados. É um filme que vai do nada ao lugar nenhum.

Chances de ganhar: Tem 4 indicações (filme, atriz, ator coadjuvante e roteiro adaptado), mas não deve e nem vai levar nada.

E você, o que acha?

Cisne Negro

2011-02-07T03:22:00.000-08:00

Darren Aronofsky já fez filmes sobre o mundo das drogas e da luta livre. Seu filme mais recente foca no universo do balé, um tema teoricamente mais delicado e leve. “Cisne Negro”, porém, subverte qualquer traço singelo. É um dos thrillers psicológicos mais sombrios dos últimos tempos.

O diretor utiliza sabiamente uma série de metáforas (jogos de espelhos, identidades que se confundem) para contar a história de Nina Sayers, bailarina que ganha a grande chance de sua carreira ao ser escalada para o papel principal de “O Lago dos Cisnes”.

O problema é que para representar tanto a inocência do Cisne Branco quanto a ousadia do Cisne Negro, Nina precisa conhecer experiências e sensações que são completamente estranhas à sua vida de menina meiga que vive num quarto rosa, rodeada por bichinhos de pelúcia.

É justamente neste processo de transformação de Nina que o filme se concentra. Suas inseguranças são escancaradas na tela, assim como sua paranóia e obsessão.
A trama joga com diversos arquétipos: a menina cândida, a mãe superprotetora, o mestre rígido, a companheira descolada. São todos tipos bem conhecidos.

O grande mérito do cineasta é mostrar seu domínio completo da narrativa, prendendo o espectador o tempo todo, dosando o ritmo com maestria. Não é por acaso que edição e fotografia foram indicadas ao Oscar. As cenas em que a câmera está atrás de Nina e vemos a personagem mudando de ambiente a cada corte seco são exemplos disso.

Por falar em Oscar, quem deve mesmo levar a estatueta é Natalie Portman. Sua performance é mesmo a alma de um filme que não vai sair da memória facilmente.

Samba Desenredo

2011-02-02T10:10:00.000-08:00

Meia Dúzia de 3 ou 4 é uma banda de MPB que tem um dedo da grande amiga constantemente citada por aqui Luciana Bugni. Apesar de não tocar nenhum instrumento – no máximo ajudar nos coros em algumas oportunidades – LB é parte fundamental do grupo, participando tanto da divulgação quanto da concepção das ideias e conceitos.

A empreitada atual do Meia Dúzia é compor a trilha sonora para o fim do mundo. Ou seja, desde abril de 2010 eles lançam uma música nova e seu respectivo clipe a cada dois meses. Todas apresentam uma visão diferente sobre a extinção do Planeta Terra, que como todos sabemos chegará ao fim em dezembro de 2012.

Eis que LB me convidou para ajudar no roteiro do clipe para a sexta música, “Samba Desenredo para o Fim dos Tempos”.

O desafio foi inicialmente um pouco intimidante. Porém, logo na primeira conversa numa mesa de bar, fui conquistado pela criatividade da banda e sua capacidade de estar aberta a ideais novas e colaborações. Não é por acaso que a cada bimestre eles agregam novos convidados especiais.

Entre nossas brainstorms regadas a muita cerveja e à deliciosa costela servida no Bar do Sacha, contando ainda com as restrições de orçamento e o prazo apertado a ser cumprido, chegamos no resultado que está no vídeo aí embaixo.

Aproveito para agradecer essa oportunidade de conhecer pessoas tão bacanas, exercitar um lado criativo que anda um tanto quanto adormecido e de quebra ainda colocar mais um capítulo da minha relação com o Cine Belas Artes na minha memória afetiva.

Vale a pena conhecer mais sobre esse projeto do Meia Dúzia de 3 ou 4 aqui.

Últimas cenas do Belas Artes

2011-01-10T03:02:00.000-08:00

Flagrantes da noite de ontem no cinema Belas Artes, que infelizmente deve mesmo fechar as portas no final deste mês.

Cena 1
Conversa entre duas funcionárias da bilheteria:
- Você vai manter contato comigo quando a gente passar a não se ver mais todo dia?

Cena 2
Pelos corredores, diversos cartazes de filme que estão por chegar, mas nunca serão exibidos naquelas salas.

Cena 3
As críticas dos filmes, que normalmente ficam expostas nas vitrines de lá, agora dividem espaço com reportagens sobre o fechamento do cinema.

Cena 4
Já dentro da sala, um rapaz com uma filmadora colhe depoimentos do público sobre o encerramento das atividades do Belas Artes.

Esse era o cenário melancólico no que pode ter sido a minha última sessão num dos meus cinemas preferidos, onde não apenas assisti alguns dos melhores filmes da minha vida, como também tinha, no andar superior, uma janela com uma das vistas que mais gostava da cidade.

Pena que o filme de ontem, “Além da Vida”, não era grande coisa.

2011, o ano da Reconstrução

2011-01-05T08:00:00.000-08:00

2010 foi um ano difícil. Começou cheio de expectativas e planos grandiosos para dominar o mundo.

Porém, com o passar das folhas no calendário, coisas foram ficando pelo caminho. Os sonhos travaram em obstáculos que talvez eu devesse ter calculado melhor. Acho que é a esse tipo de coisa que as pessoas se referem quando usam a expressão “dar um passo maior que a perna”. E olha que as minhas pernas são compridas.

No ano passado perdi muito mais do que ganhei.

Tive momentos de literal desespero. Em meados de setembro estava completamente sem rumo.

De repente, abriu-se um caminho de volta. Como se minha vida fosse um videogame, senti que tinha perdido uma vida, mas ainda tinha a chance de recomeçar do início da fase.

Então nesse final de ano, diante do inevitável balanço pessoal que a maioria de nós acaba encarando, percebi que é tudo uma questão de expectativa.

Por isso que as minhas metas para 2011 são bem mais conservadoras, até prudentes. A lista inclui apenas voltar a escrever nesse blog com frequência, finalmente conhecer o Rio de Janeiro e ir ao teatro uma vez por mês.

O ano começa como uma imensa folha em branco, espaço aberto para que as coisas venham e me surpreendam.

Os Melhores Filmes de 2010

2010-12-29T10:36:00.000-08:00

10. O Primeiro Mentiroso, de Matthew Robinson e Ricky Gervais
Também conhecido nos torrents e afins como “A Invenção da Mentira”, este primeiro filme mostra o gênio do humor britânico Ricky Gervais (co-diretor, co-roteirista e ator principal) em todo seu esplendor.

09. A Rede Social, de David Fincher
Cotado como favorito a filme do ano, por pouco não fica de fora do Top 10. Vale pelo excelente roteiro de Aaron Sorkin e por ter um timing impecável, ainda que o tema pudesse render uma discussão bem maior sobre a sociedade moderna.

08. Um Homem Sério, de Ethan e Joel Coen
Incrível como entra ano, sai ano e os irmãos Coen continuam levando o gênero da comédia de erros a patamares cada vez mais absurdos (no bom sentido!). Azar do personagem central e sorte nossa, que rimos da desgraça alheia.

07. Minhas Mães e Meu Pai, de Lisa Cholodenko
Temas espinhosos são tratados de forma leve, sem cair no superficial, neste filme que se apóia num trio de protagonistas em atuações inspiradíssimas: Annette Bening, Julianne Moore e Mark Ruffalo.

06. Preciosa, de Lee Daniels
Ao contrário do cinema dos irmãos Coen, aqui a desgraça não é nem um pouco engraçada. Impossível sair do cinema ileso depois de acompanhar por duas horas a rotina da jovem Preciosa, interpretada por Gabourey Sidibe. A mãe vivida por Mo’nique (ganhadora do Oscar) é simplesmente a vilã mais assustadora do cinema recente.

05. A Fita Branca, de Michael Haneke
Haneke continua a colocar o dedo na ferida. Desta vez sua lente se volta para um vilarejo alemão em 1913, onde estranhos acontecimentos começam a acontecer. Um estudo sobre a natureza humana e suas aplicações, para o bem e para o mal.

04. Invictus, de Clint Eastwood
Qualquer um que já se emocionou com um grande acontecimento esportivo vai saber reconhecer o valor deste filme constantemente subestimado dentro da filmografia de Eastwood. Vale não apenas pelas lições de liderança de Nelson Mandela (Morgan Freeman), mas pela vibração latente das partidas de rugby retratadas.

03. A Origem, de Christopher Nolan
Este foi o ano em que Christopher Nolan sagrou-se de vez o maior diretor da década. Em “A Origem” ele parece ter escrito um roteiro na medida para deixar o mundo boquiaberto com sua capacidade de montar cenários avassaladores e contar histórias ao mesmo tempo complexas e acessíveis para a massa. Se existe vida inteligente em Hollywood, Nolan é o maior responsável.

02. Tropa de Elite 2, de José Padilha
O maior sucesso de bilheteria da história do cinema brasileiro superou qualquer expectativa, seja em desempenho comercial ou qualidade técnica. Ao descobrir que o inimigo agora é outro, o Capitão Nascimento nos mostra que o buraco é muito mais embaixo. Pode ainda não ser a solução dos problemas, mas não tenho dúvidas de que um filme desses por ano ia nos forçar a sair dessa inércia coletiva.

01. O Segredo dos Seus Olhos, de Juan Jose Campanella
O maior sucesso de bilheteria da história do cinema argentino é a apresentação definitiva do que de melhor é feito nas obras do país: tramas que agregam diversos gêneros, direção de arte e fotografia extremamente bem feitos e Ricardo Darín. Bônus: o plano-seqüência da partida de futebol é a melhor cena do ano.

Vencedores dos anos anteriores:
1998: Los Angeles – Cidades Proibida
1999: Clube da Luta
2000: Beleza Americana
2001: Moulin Rouge – Amor em Vermelho
2002: Cidade de Deus
2003: Tiros em Columbine
2004: Brilho Eterno de Uma Mente Sem Lembranças
2005: Closer
2006: Babel
2007: Mais Estranho que a Ficção
2008: Sangue Negro
2009: Foi Apenas Um Sonho

Nocaute

2010-09-27T10:44:00.001-07:00

O herói beijou a lona.

Subiu ao ringue com a pecha de favorito. Caiu desacordado, com um golpe certeiro no estômago, suficiente para abrir um buraco.

Ontem levava sobres os ombros todos os sonhos do mundo. Tapinhas nas costas, sorrisos bonachões, a esperança da torcida.

Tudo isso agora parece um século atrás, enquanto o herói sangra seu corte profundo e tenta se levantar, num esforço que seria comovente se não fosse tão patético.

O público prende a respiração. A contagem avança.

“Haverá outras lutas”. “Não há ferida que não cicatrize”. “Caímos para depois levantarmos mais fortes”. A mente do herói é uma sucessão de clichês igualmente verdadeiros e vazios, mas nenhum serve de apoio para uma reação.

Enquanto seu corpo perece ao chão, o único lamento é não ter tido a sorte de a pancada fatal ter lhe deixado inconsciente.

De dentro da solitária

2010-07-26T13:56:00.000-07:00

Pelas grades, vejo o sol se pondo.

Mais um dia sóbrio. Lá se vai uma semana desde o dia em que fui obrigado a me despedir do meu vício, desde que minha vida passou a ser uma incessante e intensa crise de abstinência.

Não que alguém se importe.

Penso em começar a fumar, não para aliviar a tensão, mas só para ter uma companhia. Não adianta, seria apenas mais uma decisão errada. Mais uma das muitas que me colocaram nessa cela.

Ainda há fios de cabelo dela pelo chão.

O cobertor extra que eu tinha acabado de comprar para o caso dela vir me visitar nunca foi estreado. E nem adianta tentar usá-lo para me cobrir. O frio não passa.

Tento acreditar nas suas justificativas, mas não consigo. E mesmo se fossem verdades, então seria simplesmente estupidez realmente achar que é melhor ter duas vidas vazias e despedaçadas ao invés de uma em comum que, de alguma forma, se completava.

Mas eu aprendi a lição. E esse crime eu não cometo mais.

A intimidade é o novo punk

2010-05-20T10:22:00.000-07:00

A frase que batiza essa coluna não é minha, mas do diretor Alejandro Gonzalez Iñarritu, mexicano alçado ao primeiro escalão do cinema mundial com os filmes “Amores Brutos”, “21 Gramas” e “Babel”.

Iñarritu a disse ao falar sobre sua mais nova obra, “Biutiful” (assim mesmo, escrito errado), que acaba de ser recebida com elogios no Festival de Cannes. A trama mostra um médium com câncer terminal, interpretado pelo sempre extraordinário Javier Bardem.

Enquanto o filme não chega ao Brasil, vale a pena refletir sobre a frase que seu realizador usou para descrever a produção. A intimidade é mesmo o novo punk, numa era onde as vidas de todos parecem tão abertas em facebook, twitter, blogs e afins?
Creio que o cineasta não está se referindo aquele conceito falsamente propalado de intimidade que essas redes sociais tão em voga escancaram. Para mim pouco importa o que você comeu no almoço, se foi dormir tarde porque chegou da balada acabado ou com o que você anda misturando seu Activia.

Isso é um tipo de intimidade banal.

O tipo de intimidade que, a julgar por seus filmes anteriores, Iñarritu procura é aquela que a alma não tem coragem de demonstrar ao mundo, nem mesmo protegida pelo anonimato da internet.

Os anseios mais íntimos, os desejos secretos, as vontades que reprimimos por vergonha, comodidade ou insegurança. Esse é o tipo de coisa que muitas vezes nos mesmos preferimos não ouvir. Mas uma hora ou outra, pode ter certeza, virá puxar o nosso pé. Essas intimidades são mesmo punk.

Eu, por Ela

2010-03-10T08:58:00.000-08:00

Não é todo dia que a gente recebe um depoimento assim, de uma pessoa tão querida.

Diego

Ele observa.

Olha, mede, compara, reflete, define e guarda.

Bem escondido. Muitas vezes em um lugar inacessível de sua mente. Mas que por vezes é acessado, principalmente quando ele precisa de inspiração para alguma de suas novas grandes idéias.

Dono da opinião. Genial. E sabe disso. Tanto que dificilmente perde um debate. Uma discussão. Ou uma partida de imagem e ação.

Ele nunca dá por vencido. Mesmo que, para ganhar, tenha que mudar seu objetivo no meio do caminho...

Ele me encanta. Me divide. Me multiplica. Me soma e me subtrai!

Di, você sempre será dono de um belo hectare do meu coração!

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Mesmo que eu viva para sempre na Bervelly Hills do inferno, rsrs.

Logorama

2010-03-08T05:43:00.000-08:00

Vale a pena ver o vencedor do Oscar de Melhor Curta-Metragem de Animação, realizado pelo estúdio francês H5. Entre outras cenas surreais, temos Ronald McDonald (o grande vilão do filme) dirigindo loucamente o logotipo de "Grease".

Abaixo temos "Logorama" na íntegra, dividido em duas partes:

Lady Gaga Rocks!

2010-03-07T15:12:00.000-08:00

Já dizia o ditado: “se não pode vencê-la, junte-se a ela”. Com todas as paradas de sucesso tomadas de assalto por Lady Gaga, outros artistas estão aproveitando a febre-Gaga para tirar uma casquinha e ainda posar de cool.

Este vídeo abaixo é uma montagem que editei com algumas das versões ilustres para “Poker Face”. Os participantes incluem o cantor Mika, a belezinha inglesa Pixie Lott, Chris Daughtry (revelado no American Idol), os britânicos do You Me At Six, e até os indie-rockers Faith No More, Weezer e Arctic Monkeys.

O Segredo dos Seus Olhos

2010-03-01T18:33:00.000-08:00

Pelo trailer e climão do pôster, “O Segredo dos Seus Olhos” pode passar a impressão de ser um suspense. No entanto, a verdade é que se trata, acima de tudo, de uma história de amor.

O que ocorre é que, a exemplo do que acontece em “O Filho da Noiva” (trabalho mais conhecido do diretor Juan José Campanella), este é um filme que passa por cima de qualquer rótulo. Sim, há momentos de suspense hitchokiano, assim como há espaço para drama, romance e humor repleto de ironia. Afinal de contas, se nossa vida cotidiana é uma mistura de gêneros as grandes obras de arte têm que ser assim também.

Na trama, Ricardo Darín interpreta Benjamín Espósito, um investigador aposentado que convive com o fantasma de um evento acontecido 25 anos antes. Agora ele aproveita o tempo livre para colocar todo este tormento para fora, na forma de um romance literário.

Nessas duas linhas narrativas (passado e presente), vamos sendo apresentados aos personagens envolvidos e vemos como cada ação, cada gesto e cada palavra proferida terão uma repercussão posterior. Este inclusive é um dos muitos méritos do roteiro: cada personagem é construído de forma tão consistente que é muito fácil entender a motivação de cada um deles para seus atos.

Sobre a presença do amor na trama, daria para escrever uma dissertação. Como este não é o intuito no momento, basta dizer que Benjamín fica fascinado com o amor que o marido da vítima nutre por ela, como se sua vida tivesse sido congelada no momento da morte da esposa. Enquanto isso, o próprio investigador vive um caso mal resolvido com sua chefe, onde tudo se dá em subtextos e entrelinhas. Também por tudo que acontece sem o uso de palavras, o roteiro é magnífico.

Além do amor, outro sentimento bastante presente é a obsessão, num sentido que lembra “Zodíaco”, de David Fincher, outro filme que coloca uma história de suspense como cenário para um estudo sobre o comportamento humano.

No campo da linguagem cinematográfica, é o trabalho mais grandioso e mais bem-sucedido da carreira de Campanella. Tomadas e enquadramentos cuidadosamente escolhidos, e um plano sequência arrebatador dentro de um campo de futebol, que deve ter sido mais difícil de filmar do que todo o resto do longa inteiro.

Vale a pena lembrar que “O Segredo de Seus Olhos” foi o maior sucesso de bilheteria da Argentina nos últimos 35 anos, mérito que por aqui é de “Se Eu Fosse Você 2”... Mas tudo bem, né? Copas do Mundo ainda são cinco nossas contra só duas deles.

Invictus

2010-02-23T15:01:00.000-08:00

Certa vez ouvi falar que críticos de cinema parecem analisar filmes com o estômago, e não com o coração. Mesmo não sendo um crítico profissional, a carapuça me serviu quando li esta frase.

Isso se aplica a qualquer pessoa que ao ver um filme insista em prestar mais atenção nos aspectos técnicos ou nas engranagens que movem o roteiro e menos nas sensações que a obra se presta a provocar.

Este conflito veio à minha mente enquanto assistia “Invictus”, o novo filme de Clint Eastwood. Até certo ponto, coisas como o didatismo do filme, o roteiro que mastiga e simplifica o apartheid e o tom sempre grandioso como um documentário do History Channel e a impressão de se estar assistindo uma aula de História no cursinho me incomodaram.

A certa altura, um dos personagens explica Nelson Mandela (interpretado com absoluta perfeição por Morgan Freeman): “ele não é um Santo, é um homem com problemas pessoais como todos nós” – uma conclusão que, em minha opinião, soaria bem mais interessante se a gente mesmo pudesse tirar, sem a necessidade dessa explicação declarada.

Pois bem, eis que começa a Copa do Mundo de Rúgbi, caminhando para o clímax de “Invictus”. Foi o ponto em que decidi parar de implicância e apenas curtir o filme. Meia hora depois, quando chega a grande final, já estava completamente imerso no clima, torcendo junto com os 42 milhões de sul-africanos para o sucesso de seu time.

Quando subiram os créditos, estava com os olhos marejados e realmente emocionado.

Feitas todas as considerações, “Invictus” é um grande filme sobre esporte, política e liderança. É mais uma prova de como uma manifestação cultural - como no caso o time nacional de rúgbi - é importante para mexer com o ânimo de um país, atingindo corações e almas das pessoas. Como o próprio Mandela/Freeman diz numa das cenas para seus assessores, “esta imagem fala mais alto do que centenas de discursos”. E isso não tem nada a ver com pão e circo, mas sim com construir uma identidade nacional a partir de um evento catártico como a Copa do Mundo.

Com suas mensagens inspiradoras, especialmente o poema que o presidente entrega ao capitão vivido por Matt Damon, o filme de agora em diante será um prato cheio para palestras motivacionais, preleções de futebol, convenções de empresas e coisas do gênero.

Acima de tudo, porém, é uma obra que emociona de forma genuína, faz a gente ficar grudado na poltrona torcendo e ainda traz uma mensagem de reflexão e tolerância. Não dá para entender como ficou de fora dos 10 nomeados ao Oscar de Melhor Filme, mas dificilmente não estará na minha lista dos melhores de 2010 no final do ano.

Os Melhores Filmes de 2009

2009-12-23T08:30:00.000-08:00

10. Entre os Muros da Escola, de Laurent Cantet
O cotidiano retratado aqui é de uma escola da periferia parisiense, mas poderia muito bem se passar em São Paulo ou qualquer outro lugar. O desafio de lidar com a juventude do século XXI não parece nada fácil.

09. O Curioso Caso de Benjamim Button, de David Fincher
Muita gente torceu o nariz, desdenhou do filme por causa das semelhanças com Forrest Gump ou pegou birra. Bobagem. A obra de David Fincher é daquelas fábulas cheias de belíssimas cenas cujas imagens grudam na memória para sempre.

08. Distante Nós Vamos, de Sam Mendes
Exibido na Mostra SP. Poucos filmes são tão emblemáticos sobre a geração Y do que este. Disfarçado de comédia romântica, mostra um casal que ainda nem encontrou seu lugar no mundo, em todos os sentidos, e já precisam se preparar para criar um filho. A trilha sonora de Alexi Murdoch é uma atração à parte.

07. Intrigas de Estado, de Kevin MacDonald
Política, jogos de poder, quebra de confiança... Todos os elementos clássicos de thrillers como “Todos os Homens do Presidente” estão presentes num filme vibrante e complexo, que conta com um elenco onde brilham Russel Crowe, Helen Mirren e Robin Wright Penn.

06. Apenas o Fim, de Matheus Souza
É impressionante como uma boa ideia sobrevive a qualquer limitação de recurso. O clichê permanece verdadeiro por causa de filmes como este do jovem diretor, que com menos de 20 anos pegou os equipamentos emprestados da faculdade, bolou uma história que se passa ali mesmo, chamou dois amigos, encheu de referências pop e acabou realizando uma pérola.

05. Uma Solução Racional, de Jorgen Bergmark
A delegação sueca desembarcou em peso na Mostra SP deste ano. Entre os filmes que assisti no evento, este foi o melhor de todos. É a história de dois casais que, diante de um adultério entre eles, passam a dividir a mesma casa. Com uma frieza nórdica, acompanhamos vidas mudando para sempre.

04. Quem Quer Ser um Milionário? , de Danny Boyle
O grande vencedor do Oscar 2009 foi uma inesperada surpresa. Conhecido por seu estilo extremamente britânico, Danny Boyle foi até as favelas indianas contar a história emocionante de Jamal, o jovem cujo destino parece ter sido traçado para conquistar de uma vez só alguns milhões de rúpias, o coração de sua amada e nossa torcida.

03. A Onda, de Dennis Gansel
O nazismo é apenas uma coisa do passado, que nunca emplacaria numa sociedade supostamente civilizada como a atual? Quem assistiu a este poderoso filme alemão se assustou com a facilidade com que algo parecido pode crescer da noite para o dia, passar por cima e engolir a todos. O clímax, impiedoso, serve como alerta.

02. Bastardos Inglórios, de Quentin Tarantino
O mundo estava de olho em Tarantino. Depois do fiasco de seu projeto “Grindhouse”, ao lado de Robert Rodriguez, seu status de gênio passou a ser questionado pela primeira vez desde que surgiu. O cineasta voltou com tudo, revigorando um gênero que parecia não ter capacidade de gerar nada novo: a 2ª Guerra. Trilha sonora e diálogos marcantes, como de costume, e um Chistopher Waltz endiabrado que rouba a cena de ninguém menos que Brad Pitt.

01. Foi Apenas um Sonho, de Sam Mendes
Se “Beleza Americana” já havia sido uma paulada no american way of life, este “Foi Apenas um Sonho” é um retrato devastador, honesto e objetivo, sem nenhuma dose de humor para disfarçar. Sam Mendes mostra mais uma vez seu olho clínico para observar a sociedade e adapta o estupendo romance de Richard Yates de forma fiel. Nos papéis principais, Leonardo DiCaprio e Kate Winslet desta vez não lutam contra o naufrágio de um barco, e sim contra o naufrágio de suas próprias vidas.

Os Melhores Álbuns de 2009

2009-12-11T05:26:00.000-08:00

10. Muse – The Resistance
Firmes em sua missão de construir a trilha sonora para o fim do mundo, o Muse fez um disco épico, daqueles que fazem sentido apenas quando ouvidos de cabo a rabo.
Para ouvir agora: “Uprising”

09. Gossip – Music For Men
A junção com o astro dos produtores Rick Rubin arredondou o som de Beth Ditto e cia, mas manteve o sentimento incendiário, perfeito para as pistas de dança indie.
Para ouvir agora: “Love Long Distance”

08. Yeah Yeah Yeahs – It’s Blitz
Se no primeiro trabalho Karen O era apenas uma garota gritando como se não houvesse amanhã, agora ela é uma frontgirl completa. Este terceiro disco dos YYY aponta novos caminhos para a banda e a consolida como uma das principais desta década.
Para ouvir agora: “Heads Will Roll”

07. Otto – Certa Manhã Acordei de Sonhos Intranquilos
Dizem que não há nada melhor do que um relacionamento arruinado para atiçar a criatividade. O pernambucano mostra neste disco que o clichê é verdade. O sofrimento pós-divórcio dá as cartas, e as músicas exorcizam isso com versos como “Quando eu saí da sua vida, bati a porta/saí morrendo de medo do desejo de ficar", da sensacional “O Leite”, com participação de Céu.
Para ouvir agora: “Crua”

06. Dead Weather – Horehound
Jack White não para quieto mesmo. Com os White Stripes e os Raconteurs de férias em 2009, a saída foi chamar alguns amigos. E que amigos! Alison Mosshart (The Kills), Dean Fertita (Queens of The Stone Age) e Jack Lawrence (Raconteurs) completam o quarteto, que passeia entre hard rock, blues e folk com a mesma competência.
Para ouvir agora: “I Cut Like a Buffalo”

05. Lady Gaga – The Fame Monster
Vamos admitir de uma vez: Lady Gaga é a guilty pleasure de todo mundo, e em 2009 ninguém da música foi mais falada do que ela. Seu figurino trash e as declarações polêmicas quase tiram o foco da música. Mas o fato é que seu disco de estréia, “The Fame”, é um ótimo álbum pop. Lançado em 2008, explodiu de vez este ano, e até ganhou uma versão de luxo, o “The Fame Monster”.
Para ouvir agora: “Bad Romance”

04. Them Crooked Vultures – Them Crooked Vultures
Assim como Jack White, Josh Homme é outro workahollic da música. E os amigos dele são mais famosos que os de Jack. Ao lado de Dave Grohl e John Paul Jones, o líder do Queens of The Stone Age comanda o show e é a assinatura mais forte de um álbum que não tira o pé do freio, com um petardo atrás do outro.
Para ouvir agora: “Bandoliers”

03. U2 – No Line on The Horizon
Se nos dois trabalhos anteriores o U2 não arriscou absolutamente nada, sentado confortavelmente no trono de maior banda do mundo, em “No Line on The Horizon” a história é diferente. Cada faixa tem vida própria, num universo que vai de guitarras supersônicas a batidas inspiradas pela temporada que o quarteto passou nos Marrocos.
Para ouvir agora: “No Line on The Horizon”

02. Céu – Vagarosa
2009 foi o ano que a cantora paulistana se liberou do rótulo de promessa que a acompanhou por muito tempo. Com um segundo álbum impecável e maduro debaixo do braço, Maria do Céu mostra porque é a voz feminina a ser ouvida no cenário nacional. Esperta, ela escolhe boas companhias na banda, na produção e também nas participações especiais, como Luiz Melodia e Thalma de Freitas.
Para ouvir agora: “Cangote”

01. Arctic Monkeys - Humbug
Os meninos de Leeds se uniram a Josh Homme, e o resultado é uma obra espetacular. Os Arctic Monkeys se aventuram por novos mares, ora mais sombrios, oras mais pesadas, guiadas pelo leme experiente de Homme, que produziu a maioria das músicas e ainda dâ uma canja em algumas. “Humbug” passa por cima de qualquer suspeita de que a banda não iria longe.
Para ouvir agora: “Crying Lightning”

Hiato

2008-07-11T03:13:00.000-07:00

"É hora de parar e voltar para casa. Nada dramático, só precisamos sonhar tudo de novo".

Uma noite com Ms. Stone

2008-06-17T09:46:00.000-07:00

J. Stone,

Muito atencioso da sua parte aparecer por aqui bem na semana do meu aniversário. Admito que a notícia da visita me deixou mais ansioso do que de costume, e te encontrar depois de tanto tempo fez minha barriga gelar um pouquinho.

Para ocasião de tamanha importância, até roupa nova eu comprei. Peguei um baita trânsito, mas consegui chegar no horário marcado. Ao contrário de você, que me fez esperar de pé quase uma hora, abusando dessa prerrogativa que as meninas bonitas têm.

No instante em que você surgiu, imediatamente me arrependi de certas coisas que falei a seu respeito. Gordinha onde? O vestido prateado bem justo provava que eu estava errado. Ah, e foi bom você ter desistido dos cabelos vermelhos, eles não combinavam.

Seu jeito de meninha tímida continuava intacto, e até hoje não sei se isso é natural ou apenas tipo. Mas ok, digamos que você ainda não se acostumou ainda com os aplausos e elogios. A maneira como você de vez em quando esconde o rosto entre as mãos tem seu charme.

Cantar uma música das minhas bandas preferidas também é um bom truque. Conquista-me um pouco mais.

Você ainda discursa sobre como cabe aos homens tomar uma atitude quando se gosta de alguém. “Se você está apaixonado, diga para a menina. Porque as mulheres não vão fazer isso”. Bem, Joss, este é o tipo de conselho que sempre me colocou em encrenca. Mas obrigado por querer ajudar.

Nos despedimos e partirmos dentro da noite gelada, cada um para seu lado. E eu durmo e acordo com suas músicas na cabeça.

Medo da Verdade

2008-06-14T08:41:00.001-07:00

É inadmissível que um filme como este Medo da Verdade tenha ido parar direto nas prateleiras de DVD, impedindo o público de conferir na tela de cinema um dos melhores exemplares do gênero suspense policial a ser lançado pelo cinema americano nos últimos tempos.

A obra dirigida de forma excelente (e surpreendente) por Ben Affleck só é comparável ao magistral “Sobre Meninos e Lobos”, de Clint Eastwood. O que os dois filmes têm em comum? Ambos são adaptações de livros de Dennis Lehane, autor que usa sua experiência como conselheiro terapêutico de crianças vítimas de abusos para construir histórias fortes, tocantes e, infelizmente, bastante reais.

Medo da Verdade (inspirado em “Gone Baby Gone”, de Lehane) ficou famoso por ter tido sua data de estréia adiada na Inglaterra por conter muitas semelhanças com o caso da menininha Madeleine McCann, que desapareceu em Portugal, em maio de 2007, e não foi encontrada até hoje. O mal-estar e o tema espinhoso podem ter contribuído para afastar o público das salas de exibição, mas só aumentam a força do filme.

Acidentalmente, a loirinha Madeleine até parece com a menininha que desaparece na película e tem seu rapto investigado pela jovem dupla de detetives Patrick (o ótimo Casey Affleck, irmão de Ben) e Angie (Michelle Monaghan).

A mãe da criança (Amy Ryan, indicada ao Oscar de atriz coadjuvante pelo papel) é viciada em cocaína e anda sempre acompanhada de maus elementos, todos suspeitos de algum envolvimento com o crime. O tempo passa e as esperanças de encontrar a menina viva vão ficando cada vez mais escassas.

Com tantas reviravoltas, diversas texturas e personagens ambíguos, a direção não era trabalho fácil. Mas Ben Affleck equilibrou tudo isso com louvor, auxiliado pela fotografia elegante e tensa de John Toll.

Medo da Verdade ainda abre uma discussão imensa no final, quando o personagem principal precisa tomar a decisão mais difícil de sua vida. Impossível você não terminar de assistir e se perguntar o que faria naquela situação. Por colocar essa pulga atrás da sua orelha, o filme fica ainda mais imperdível.

Medo da Verdade
Em DVD
Direção: Ben Affleck
Com: Casey Affleck, Michelle Monaghan, Ed Harris, Morgan Freeman
Nota: 9,0
Média da crítica (segundo o Metacritic): 7,2
Média do público (segundo o IMDB): 8,0

A vida não é só futebol, Luciana

2008-06-12T10:57:00.000-07:00

Se eu sou um dos poucos corintianos que você suporta, então não seria muita pretensão achar que você esteja um pouco preocupada com o meu estado de espírito nesta quinta-feira.

12 de junho, um Dia dos Namorados com gosto de paixão não correspondida por parte de uma torcida que não cansa de sofrer em preto e branco. E foi dormir na noite passada com a cabeça inchada, depois de ver o namoro com a Libertadores (amor platônico?) naufragar mais uma vez.

Mas Lu, no meio da noite eu acordei e pensei que a vida tem bem mais coisa, pra onde a gente pode concentrar nosso olhar quando outro aspecto vai mal. E por enquanto deixarei de fazer metáforas do futebol com a minha vida para não contaminar o ambiente com pessimismo.

Viva La Vida, do Coldplay

2008-06-10T08:05:00.000-07:00

O novo álbum do Coldplay, chamado Viva La Vida or Death and All His Friends, está temporariamente disponível na íntegra na página do grupo no myspace – ficara lá até o final dessa semana.

Apesar do título horroroso, o disco é sensacional. Com o toque de Brian Eno (um dos grandes responsáveis por moldar o som do U2) na produção, Viva La Vida é climático, ousado e aponta uma banda com a coragem suficiente de se reinventar – e na hora certa, depois de completar dez anos de carreira. Como disse o vocalista Chris Martin à revista Enterteinment Weekly: “Estamos um pouco amedrontados com esse disco, porque jogamos fora todos os nossos velhos truques. A verdade é que tentamos encontrar novos”.

Este quarto trabalho do quarteto inglês é completamente diferente do primeiro (“Parachutes”, de 2000), e mais próximo ao último (“X & Y”, de 2005), só que numa versão melhorada. Pela justificada empolgação da crítica britânica nesta semana de lançamento, este é um forte candidato a encabeçar a lista de melhores do ano.

Viva la Vida or Death and All His Friends, faixa-a-faixa:

“Life in Technicolor”
Abertura climática e instrumental. Perfeita para dar o tom do que vem a seguir.

“Cemeteries of London”
A primeira grande canção do disco traz batuques e palmas que chegam a lembrar ritmos africanos, ponteadas pela guitarra de Jonny Buckland. A bela letra parece fazer referência ao movimento gótico, como o próprio título sugere, e tem forte apelo espiritual: “Vejo Deus em meu jardim/Mas não entendi o que ele disse/Pois meu coração não estava aberto”.

“Lost!”
Marcada por palmas ainda mais em primeiro plano, é meio morna. O solo de guitarra lembra muito o estilo The Edge, e é um dos vários “momentos U2” do álbum.

“42”
O velho Coldplay respira aqui durante os primeiros 100 segundos da música, enquanto é uma balada ao piano que lembra “Trouble” e “Fix You”. A letra segue os temas mórbidos, a começar pelo verso “Aqueles que estão mortos não estão mortos/Estão vivendo na minha cabeça”. Depois dos 1’40’’, o ritmo acelera.

“Lovers in Japan/Reign of Love”
Duas músicas completamente distantes numa só. Na primeira metade, uma agitada e dançante ode ao otimismo. O toque de Eno fica claro em “Reign of Love”, que lembra o U2 dos álbuns “The Unforgettable Fire” e “Joshua Tree”: uma intensa climatização para letras sobre o poder do amor.

“Yes”
Em outro ponto alto do álbum, Chris Martin abandona os falsetes para praticamente declamar a letra. Ao fundo, um hipnotizante arranjo de cordas em loop. A mesma faixa ainda traz outra canção instrumental, “Chinese Sleep Chant”, que prepara o terreno para a segunda metade do disco.

“Viva La Vida”
Mais uma vez o arranjo de cordas puxa outro dos melhores momentos (o melhor de todos, talvez?), neste que é o segundo single do trabalho. A extensa letra é um épico sobre alguém que caiu em desgraça após ter o mundo nas mãos. Império romano? Revolução francesa? O atual momento dos EUA?

“Violet Hill”
Sem dúvida nenhuma, a banda estava inspirada quando compôs este disco. Chegamos à oitava faixa, e eles continuam surpreendendo. Ótima escolha para primeiro single, já que ao mesmo tempo em que guarda algumas semelhanças com o Coldplay tradicional, resume exatamente o que é o novo álbum. O refrão tem tudo para pegar e ser entoado em uníssono nas apresentações ao vivo.

“Strawberry Swing”
A banda dá um tempo nos temas pesados, e faz uma canção lúdica sobre um dia perfeito.

“Death and All His Friends”
Para fechar os 46 minutos de duração, outra canção singela. Assim como “42”, começa com piano e vai crescendo, até que entram todos os instrumentos. É outro dos poucos momentos que tem todos os ingredientes velhos conhecidos do Coldplay.

Vídeos relacionados:
“Viva La Vida” ao vivo no MTV Movie Awards:

Clipe oficial de “Violet Hill”:

My grandfather’s kite won’t fly anymore

2008-06-09T11:26:00.000-07:00

Começa com uma introdução, só no piano. Uma voz melancólica aparece, depois de uns quinze segundos:

My grandfather’s kite won’t fly anymore
My grandfather’s kite won’t fly anymore

Entram guitarra, baixo e bateria, numa batida marcial. A voz continua impassível, mas recitando do que cantando:

He is trying really hard
But my grandfather’s kite won’t fly anymore

A bateria continua marcando o ritmo, os outros instrumentos permanecem em loop.

He tried to fly it again
But the kite wouldn’t rise even a little bit

Solo de guitarra. Depois, pausa em todos os instrumentos. Resta apenas o refrão:

My grandfather’s kite won’t fly anymore
My grandfather’s kite won’t fly anymore

Os instrumentos voltam, numa explosão de volume que aos poucos vão diminuindo, até voltar apenas o piano, igual à introdução.

Tá vendo? Em inglês tudo fica mais aceitável.

Consolers Of The Lonely, do Raconteurs

2008-06-04T12:31:00.000-07:00

Pelo que eu sei, o novo disco do Raconteurs ainda não chegou nem perto das prateleiras brasileiras. Pelo menos não em versão nacional.

Já se passaram quase três meses desde que Jack White e seus amigos colocaram um anúncio surpresa no site oficial da banda dizendo que dali a uma semana o novo álbum estaria nas lojas do mundo. Sem muito tempo de antecipação, sem nem mandar cópias prévias para a mídia. Assim o ouvinte teria acesso às novas músicas na mesma hora que os críticos, sem influências de resenhas positivas ou negativas.

Para os brasileiros, a atitude não valeu de nada. A quem quiser ter Consolers of The Lonely restam duas opções: baixar na internet ou desembolsar uma boa grana pelo compacto importado – R$ 60, no meu caso. É, eu sei, mas ainda insisto em achar que é importante ter o material físico em mãos.

Se você não faz questão do encarte, etc e tal, pode procurar seu site de download favorito. O importante é não deixar de ouvir este grande álbum, no mesmo nível do primeiro deles (“Broken Boy Soldiers”, de 2006), mas que também consegue abrir o leque de possibilidades sonoras exploradas por White, Brendan Benson (voz e guitarra), Patrick Keeler (bateria) e Jack L.J. Lawrence (baixo).

Quando parte para a pauleira, o Raconteurs soa como o White Stripes. “Salute Your Solution” (o primeiro single), “Five on The Five” e “Consoler of The Lonely” são algumas provas disso.

Mas Jack White não precisaria de um projeto paralelo para fazer mais do mesmo, certo? Então o quarteto passeia pelo country na ótima “Old Enough”, arrisca uma moda de viola em “These Stones Will Shout”, e manda ver nos arranjos de metais nas pérolas “The Switch and The Spur” e “Many Shades of Black”, dois dos grandes momentos do álbum.

Ainda há espaço para a bela baladinha no piano “You Don’t Understand Me” e para um encerramento climático com “Carolina Blues”, uma narrativa que casa bem como o nome da banda, já que raconteus em francês pode ser traduzido como “contadores de histórias”. E que eles continuem contando e cantando para nós.

Clipe de Salute Your Solution:

Idéias geniais da publicidade

2008-06-03T05:58:00.000-07:00

Clique na imagem para ampliar

Demais! Já pendurei uma cópia na minha mesa.

E fica o quê?

2008-05-20T05:12:00.000-07:00

Encantos quebram. Relacionamentos acabam. Despedidas se seguem. E fica o quê?

Se o fim foi traumático, é quase inevitável lembrar em alto e bom som dos momentos ruins. Cicatrizes fechadas ameaçam romper com a simples menção de uma palavra chave, que já foi sinônimo de felicidade num passado remoto.

Esse tal “remoto” não é medido pelo tempo marcado em calendários, mas sim por outro tipo de contagem, representado pela quantidade de energia desperdiçada e a certeza de que mexer naquele vespeiro não vale a pena.

Às vezes nem uma conclusão natural escapa de deixar um vazio. Um buraco que você passa a ignorar, ou tenta preencher de outra forma.

Todo aquele sentimento escorre sabe-se lá para onde. E deixa decepções, frustrações, vontades e curiosidades que nunca serão saciadas.

Plantas não se mexem

2008-05-19T04:48:00.000-07:00

Texto engavetado, que finalmente vê a luz do dia.

Bateram na minha porta e me deixaram um vaso com uma flor. Assim, sem explicação. Não que eu nunca tivesse visto aquela flor antes. Sempre que passava no jardim no caminho de casa, parava e ficava admirando. Ela estava lá, encolhidinha. Perto do meio-dia desabrochava, ficava tudo roxo. E eu voltava para o meu lugar, com os olhos descansados.

Não sei quem foi que leu meus pensamentos e a colocou sob minha porta, achando que ela ficaria bem com os meus cuidados.

Diziam que eu tinha que alimentá-la todos os dias. Então eu alimentava, mas com cuidado, para ela não comer demais e murchar. Diziam para eu conversar com ela, mas ela não respondia e eu achava aquilo tudo meio ridículo.

Todo mundo que passava em casa não tirava os olhos dela. Eu tinha medo que alguém a roubasse de mim, então construí um vaso blindado para guardá-la.

Diziam que eu estava louco, que assim ela não respiraria. Mas eu acreditava que a beleza ia salvar o mundo. O meu mundo, pelo menos. Eu ficava olhando, esperando, olhando, esperando. E não acontecia nada.

A flor roxa desabrochava todos os dias do mesmo jeito, seu perfume ainda era forte, mas eu queria mais. Queria que ela ficasse maior, maior. Que ficasse tão alta que me cobrisse com sua sombra.

Accelerate, do R.E.M.

2008-05-13T11:57:00.000-07:00

Antes do Radiohead se estabelecer de vez no posto de maior banda cult da Terra, o R.E.M. era um dos principais postulantes ao trono. Com o fracasso de seu último trabalho, “Around the Sun” (de 2004), solenemente ignorado pelo público e massacrado pela crítica, o mundo meio que esqueceu a banda de Michael Stipe.

Por isso mesmo, Accelerate é o álbum certo na hora certa. Uma injeção de ânimo tanto no trio quanto em seus fãs.

Com um tom enérgico e deixando um pouco as baladas de lado, o R.E.M. construiu um trabalho consistente, o melhor deles na década – que além do já citado “Around The Sun”, teve também o bom “Reveal” (2001).

Para começar o disco, o empolgante riff de “Living Well is The Best Revenge” é perfeito para deixar todos ligados, algo tipo “Ei, o R.E.M. ainda existe”. “Man-Sized Wreath” e “Supernatural Superserious” não deixam a peteca cair.

A voz de Michael Stipe aparece em primeiro plano em “Hollow Man” e “Houston”, que servem para recuperar o fôlego. Depois vem “Accelerate”, esquentando o clima de novo.

A banda administra o jogo ganho em “Until The Day is Done” e “Mr. Richards”, e faz de “Sing For The Submarine” o único ponto em comum com suas canções mais melancólicas. Mas o álbum ainda termina em ritmo acelerado, com “Horse To Water” e “I’m Gonna DJ”.

Abaixo, o clipe de “Supernatural Superserious”:

Irmão boleiro

2008-05-12T04:53:00.000-07:00

Já está no ar o antes anunciado blog apenas sobre futebol, com as fichas dos jogos que ando vendo por aí.

O endereço é: http://cambioedesligo-fc.blogspot.com/

O blog não tem nada de mais, mas seus comentários podem deixar a coisa realmente interessante. Vão lá.

Rufus Wainwright em SP

2008-05-10T11:05:00.000-07:00

São 21:10 quando sento na minha cadeira no Via Funchal. 5 minutos depois, as luzes se apagam. Uma mulher loira trajando meias até os joelhos, shorts e camisa sobe ao palco. Ela é Martha Wainwright, irmã de Rufus, que aparece para fazer o show de abertura. Surpresa suficiente para me arrepiar – a presença dela tinha sido anunciada como participação especial, e eu achava que ela só iria dar uma canja na companhia do mano mais velho.

Com sua voz cortante e performance teatral (da escola Elis Regina), Martha apresentou músicas do novo álbum, cujo título retrata bem o tema de suas letras: “I Know You’re Married, but I’ve Got Feelings Too”. Em aproximadamente meia hora, ela faz elogios ao Brasil e vê as músicas de seu disco de estréia serem pedidas pela platéia. “Factory” e a raivosa “Bloody Motherfucking Asshole” foram aplaudidas com entusiasmo.

No clima família que se repetiria ao longo da noite, Martha foi acompanhada em alguns momentos pela mãe (tocando piano) e pelo marido (no contrabaixo). A simpática senhora Wainwright, de cabelos brancos e óculos que a anunciam como a fofura em pessoa, brinca que está acostumada a ver tanto Martha como Rufus gostam de pegar suas roupas emprestadas. Risos do público, no tom de intimidade que pairou sobre a casa a partir de então e permaneceu ali.

Rufus Wainwright entrou no palco sozinho, de terno quadriculado, calça preta com uma espécie de bermuda da mesma cor por cima, e colar brilhante. Cumprimentou-nos, tomou seu lugar no piano e começou o show com “Grey Gardens”, canção de seu segundo disco, o excelente “Poses”.

Completamente à vontade, ele falou bastante com o público, sempre em inglês - fora um ou outro “obrigado”. Deixando o piano e partindo para o trecho da apresentação onde empunha o violão, ele toca “Sanssoucie”, mas antes conta ter descoberto no Rio de Janeiro um restaurante japonês chamado San Sushi, e faz graça sobre o estabelecimento ter sido batizado em homenagem à sua música.

O que mais impressiona no show é a capacidade de Rufus passar, em questão de segundos, da brincadeira ao drama exigido por suas canções, muitas delas quase operísticas. A certa altura, ele nos propõe que encenemos todos juntos uma cena do filme “Um Bonde Chamado Desejo”. “Eu serei Stella, e vocês todos serão Marlon Brando”, diz. Seguindo suas instruções, todos gritamos “I love you, Stella”, ao que ele responde, encarnando a mocinha, “mas eu não posso”, e já emenda “Not Ready to Love”, interpretação de alta carga emocional, entoada quase como um sussurro.

Sua voz é linda, mas a ausência de uma banda de apoio tira um pouco do efeito catártico que uma performance ao vivo tem, principalmente para quem, como eu, cresceu acostumado aos shows de rock. Na versão acústica de “California”, por exemplo, o próprio Rufus parece perceber isso, ao tentar recriar com onomatopéias um solo de guitarra.

É preciso então buscar a catarse de outra forma, talvez mais contida. E ela vem quando mãe, filho e filha cantam em português, ou na arrebatadora seqüência final, que emenda “Cigarrettes and Chocolate Milk”, “Poses”, “Hallelujah” (de Leonard Cohen, com a participação de Martha, mais uma vez) e “Over the Rainbow”, de Judy Garland, uma das referências do cantor.

Uma crítica de um disco de Rufus Wainwright afirmava que a voz dele é tão agradável que até recitando a lista telefônica ficaria bonito de se escutar. Presenciar essa perfeição é algo inesquecível.

O Sonho de Cassandra

2008-05-09T06:45:00.001-07:00

Algumas pessoas têm malhado o novo filme de Woody Allen mais do que o necessário, talvez por ter uma trama diferente do esperado pelos fãs do cineasta. Mas tenho certeza que fosse O Sonho de Cassandra um trabalho de um diretor estreante, por exemplo, seria celebrado como uma boa revisitação a filmes de suspense das décadas de 60 e 70.

Os carismáticos Ewan McGregor e Colin Farrell interpretam dois irmãos que almejam uma vida melhor, ainda que não saibam muito bem como fazer para chegar nela. Terry (Farrell) é um mecânico viciado em jogos de azar, e Ian (McGregor) ajuda o pai num restaurante, mas quer mesmo é ganhar dinheiro com hotéis, e faturar de verdade o dinheiro que apenas diz ganhar para conquistar mulheres como a estonteante Angela (Hayley Atwell).

Tanto Terry como Ian nutrem uma admiração extrema pelo Tio Howard (Tom Wilkinson), poderoso executivo que deixou a família proletária em Londres e foi ser bem-sucedido nos EUA. É justamente este sentimento de idolatria ao tio que vai colocar a relação dos irmãos em xeque, deixando-os em uma situação que logo vira uma imensa e trágica bola de neve.

Entre os elementos típicos do diretor/roteirista estão os diálogos dinâmicos e bem sacados, as citações culturais, o humor negro e a presença de uma personagem feminina forte e sensual, personificada no caso pela bela londrina Haley Atwell, ilustre desconhecida até então.

Allen já mostrou que não é bobo para fazer suspense, principalmente no recente “Match Point”. Se O Sonho de Cassandra não repete o efeito arrebatador do longa de três anos atrás e apresenta até algumas irregularidades durante seus 108 minutos, pelo menos não é a bomba que a crítica internacional quis nos fazer acreditar que seria.

O Sonho de Cassandra
Direção: Woody Allen
Com: Ewan McGregor, Colin Farrell, Tom Wilkinson
Nota: 7,5
Média da crítica (segundo o Metacritic): 4,9
Média do público (segundo o IMDB): 7,1

Projeto piloto futebolístico

2008-05-01T06:45:00.000-07:00

Ontem, assistindo quatro jogos de futebol na seqüência, tive uma idéia. Abrir um blog apenas sobre futebol, com as fichas dos jogos que vi e comentários sobre cada partida. Já que eu “perco” tanto tempo vendo bola rolando, por que não transformar isso em algo produtivo? No mínimo será uma espécie de banco de dados, que vou poder consultar daqui alguns anos e lembrar de jogos que com certeza já teria esquecido.

Tendo como exemplo as partidas de ontem, os textos seriam assim:

Chelsea (ING) 3 x 2 Liverpool (ING)
Competição: UEFA Champions League – Semifinal
Jogo de Volta (na ida: Liverpool 1 x 1 Chelsea)

Chelsea: Cech; Essien, Ricardo Carvalho, Terry e Cole; Makelele, Ballack, Lampard (Shevchenko) e Joe Cole (Anelka); Drogba e Kalou (Malouda). Técnico: Avram Grant
Liverpool: Reina; Arbeloa, Carragher, Skrtel (Hyypia) e Riise; Xabi Alonso, Mascherano, Gerrard e Benayoun (Pennant); Kuyt e Fernando Torres (Babel). Técnico: Rafa Benítez
Gols: Drogba aos 33’ do 1º tempo; Fernando Torres aos 19’ do 2º tempo. Lampard aos 8’ e Drogba aos 15’ do 1º tempo da prorrogação; Babel aos 12’ do 2º tempo da prorrogação.

Chavão futebolístico que melhor se aplica à partida: “Jogo decisivo não tem favorito”.

Comentário: Chelsea dominou completamente o primeiro tempo, quando saiu com a vantagem mínima. No segundo tempo, a coisa mudou. O Liverpool empatou e parecia que chegaria à virada a qualquer momento. O gol não saiu e veio a prorrogação. Minutos antes, Rafa Benítez havia tirado o artilheiro Fernando Torres, numa substituição infeliz.
O Chelsea começou o tempo extra pressionando, fez um gol mal anulado e outros dois que valeram, ainda nos primeiros quinze minutos. No finalzinho do jogo, Babel diminuiu. Mas desta vez era tarde demais para outra reação milagrosa do Liverpool. A final da UEFA Champions League terá Manchester United x Chelsea, dia 21 de maio em Moscou.

Boca Juniors (ARG) 2 x 1 Cruzeiro (BRA)
Competição: Libertadores
Jogo de Ida

Boca Juniors: Caranta; González, Maidana, Cáceres e Monzon; Vargas (Ledesma), Battaglia e Dátolo (Chávez); Riquelme, Palacio e Palermo.
Técnico: Carlos Ischia
Cruzeiro: Fábio; Charles, Espinoza, Thiago Heleno e Marquinhos Paraná; Henrique, Fabrício, Ramires e Wagner (Marcinho); Guilherme (Jonathan) e Marcelo Moreno.
Técnico: Adilson Batista.
Gols: Riquelme aos 6’ do 1º tempo; Dátolo aos 20’ e Fabrício aos 32 do 2º tempo.

Chavão futebolístico que melhor se aplica à partida: “Jogar em La Bombonera não é fácil”.

Comentário: Num dos jogos mais esperados das oitavas de final da Libertadores, o time brasileiro decepcionou. Aceitou a pressão do Boca, e levou sorte de enfrentar os argentinos em um dia não tão inspirado assim. Sem criatividade na maior parte do tempo, o Cruzeiro ainda achou um gol perto do final, o que torna possível a classificação. Mas a partida de volta, mesmo no Mineirão, será bastante dura. Pelo jogo de ontem, o Boca é favorito para passar de fase.

América (MEX) 2 x 4 Flamengo (BRA)
Competição: Libertadores
Jogo de Ida

América: Ochoa, Sebá, Cervantes e Rodríguez (Higuain); Castro, Mosqueda, Villa, Silva e Rojas; Esqueda e Cabañas.
Técnico: Rubin Omar Romano
Flamengo: Bruno, Luizinho, Fábio Luciano, Ronaldo Angelim e Juan (Leonardo Moura); Jaílton, Cristian (Diego Tardelli), Ibson e Kleberson; Marcinho e Souza (Obina).
Técnico: Joel Santana
Gols: Marcinho aos 43’ e Cervantes aos 45’ do 1º tempo; Marcinho aos 24’, Mosqueda aos 26’, Diego Tardelli aos 42’ e Leonardo Moura aos 47’ do 2º tempo.

Chavão futebolístico que melhor se aplica à partida: “Um jogo cheio de alternativas”.

Comentário: Mesmo jogado fora de casa, o Flamengo se impôs o tempo todo, tendo perdido uma infinidade de gols. Cochilou um pouco logo depois de marcar o primeiro, e levou o empate. Quando fez o segundo, a mesma coisa. Depois decidiu matar o jogo, confirmando a vitória que o deixa numa situação extremamente confortável para a partida de volta.

Corinthians 4 x 0 Goiás
Competição: Copa do Brasil – Oitavas de Final
Jogo de Volta (na ida: Goiás 3 x 1 Corinthians)

Corinthians: Felipe; Carlos Alberto, Chicão, William e André Santos; Fabinho, Perdigão (Nilton), Diogo Rincón (Acosta) e Lulinha (Everton Ribeiro); Herrera e Dentinho.
Técnico: Mano Menezes.
Goiás: Harlei; Vitor (Alex), Ernando, Paulo Henrique e Fabinho; Amaral, Ramalho, Evandro e Paulo Baier (Anderson Aquino); Alex Terra e Alex Dias (Schwenck).
Técnico: Caio Jr.
Gols: Diogo Rincón 5’ e 16’, André Santos aos 23’ e Herrera aos 30’ do 1º tempo.

Chavão futebolístico que melhor se aplica à partida: “Nem o corintiano mais otimista esperava algo assim”.

Comentário: Precisando vencer por dois gols de diferença, o Corinthians só teria chance se jogasse de uma forma que não demonstrava há muito tempo. Conseguiu. Empurrado por mais de 50 mil torcedores e com uma aplicação impressionante, o time paulista precisou apenas de meia hora para construir o placar, diante de um Goiás que foi a nocaute. Depois, deu-se ao luxo de apenas administrar.

Talvez eu comece com isso junto com o Brasileirão. Vamos ver.

Cuide bem do seu amor

2008-04-28T18:11:00.000-07:00

Cara, eu tenho essa tendência a dar conselhos indesejados. Então não ligue, e sinta-se à vontade para ignorar essas próximas linhas.

Evitarei cair na tentação de dizer que ela não te merece. Porque bem, se ela escolheu estar com você, então merece tudo o que você é, para o bem e para o mal.

Isso, porém, não lhe dá carta branca para fazer o que bem entender. E muito menos te faz dono da menina, que você insiste em tratar como um cachorro premiado na coleira. Ou, numa comparação mais comum, mas nem por isso menos acertada, como pássaro na gaiola.

Repito que, se este pássaro quer estar preso a você, deve ter seus motivos. Não cabe a mim julgar essas razões.

Só tome cuidado com uma coisa: “When you hold on to something so tightly, you’ve already lost it”. Palavras duras, que nem são minhas, e eu vivo repetindo por aí. Não que eu consiga exatamente cumpri-las.

As flores do Sr. Jardim

2008-04-16T15:20:00.000-07:00

Muito antes de ser senhor, o Sr. Jardim definiu que, quando tivesse filhas, daria às meninas nome de flores. A criatividade não era seu ponto forte. Isso foi reforçado assim que batizou a primogênita como Rosa. Dois anos depois veio a irmã, Hortência, em homenagem ao basquete, um dos hobbys do papai orgulhoso.

Foi na adolescência que começaram a aparecer as diferenças claras nas personalidades das duas. Enquanto a mais velha atraia uma série de pretendentes, a caçula preferia os passeios bucólicos solitários e a companhia de um bom livro. Era inegável que a deusa da beleza tinha sido mais gentil com Rosa, por isso ela nem precisava se esforçar muito para ter a seus pés uma fila de rapazes, em plena puberdade, cujos metabolismos se aceleravam ainda mais com a simples visão da menina. Ela, por sua vez, reserva à maioria deles apenas seus espinhos, de forma pouco criteriosa e atingindo até quem não merecia.

Hortência não tinha inveja, mas também não atribuía àquilo muita admiração. Por ironia do destino era baixinha, o que tornava impraticável o esporte que lhe deu o nome. Mesmo assim, seu perfume a tornava inesquecível, e quem passava por ela acabava sendo imediatamente seduzido, de uma forma menos óbvia e mais duradoura. O cheiro de Hortência fica para a vida inteira.

Já essa Rosa fingia que não gostava de desabrochar. E quem esperava pacientemente ver começar o suposto espetáculo das pétalas de Rosa, ficava decepcionado. Porque na verdade o motivo dela se fechar toda era que não tinha nada de bom para mostrar.

O tema que nos propuseram foi "flores". Veja o que elas fizeram:
Alucilanações
12a Dimensão

Jeremias e o olho roxo

2008-04-15T07:05:00.000-07:00

"O quanto você sabe sobre si mesmo se nunca esteve em uma luta?". A frase de um filme, visto quase dez anos antes, vez por outra pipocava na cabeça de Jeremias. Assim, sem pedir licença. Fazia o sujeito quase se sentir culpado por sempre ter trilhado o caminho da virtude.

Quando aquela pergunta resolveu ressurgir, Jeremias decidiu que era hora de levar a sério e colocá-lo à prova. Lembrou do clipe de Bittersweet Symphony, endureceu os ombros e saiu pela rua numa linha reta, querendo ser esbarrado. O objetivo final, perseguido com olhar obstinado, era ser interrompido por alguém irritado. Travar combate. Ir às vias de fato. Sentir qualquer coisa diferente de inércia, mesmo que fosse dor.

Em câmera lenta, seu ombro encontrou o meio do peito do valentão do bairro. Este foi imediatamente empurrado para trás. Enquanto o valentão se recuperava não do golpe, que foi fraco, mas da surpresa, Jeremias abriu um sorriso, ao mesmo tempo em que ofereceu a face ao direto de esquerda que receberia. Infalivelmente, a agressão veio.

Jeremias nem se deu ao trabalho de limpar o sangue que escorria do nariz. Chegou em casa, pegou a polaroid e tirou uma foto. Prendeu o retrato no canto do espelho do quarto. Dali a alguns dias o sangue estancaria, o hematoma roxo abaixo do olho desapareceria. Mas aquele momento de dor ficaria registrado. Para aprender a não tentar entrar em territórios que não domina.

Um Beijo Roubado

2008-04-13T14:10:00.000-07:00

Não é exagero dizer que Um Beijo Roubado é de Norah Jones. Pelo menos no sentido de que o diretor chinês Wong Kar Wai (de "2046 - Os Segredos do Amor") disse ter concebido a idéia para o filme ao ouvir uma das canções de Norah, e escreveu o papel principal especialmente para ela, mesmo que a cantora não tivesse experiência em atuar em muita coisa além de seus próprios clipes.

Com o convite aceito pela estrela do novo jazz, chegou a hora de conferir o resultado de tudo isso.

Logos nos primeiros minutos, fica claro que Norah Jones não é uma grande atriz, principalmente numa cena onde esbraveja ao celular. Do outro lado da linha está o ex-namorado de Elizabeth, a moça ingênua que interpreta. Ao ter o coração despedaçado, Elizabeth encontra consolo nas tortas de blueberry do bar de Jeremy (Jude Law), com quem passa a dividir confidências e uma relação afetuosa.

Até que um dia Elizabeth decide colocar o pé na estrada, para se refazer da depressão. Durante sua jornada, encontra figuras como o alcoólatra Arnie (David Straitham) que tem dificuldade para aceitar o divórcio da esposa (Rachel Weisz) e uma viciada em cartas (Natalie Portman). O trajeto leva a reflexões e, claro, auto-conhecimento.

Na medida em que vamos nos acostumando com a presença de Norah Jones na tela, ela até que dá conta do recado direitinho. Também porque sua personagem é a menos complicada entre os que aparecem na história, algo como a típica mocinha das telenovelas. Completamente oposta é a atuação de David Straitham (o protogonista de "Boa Noite e Boa Sorte"). Seu Arnie é construído cheio de nuances, um homem de coração bom, mas à beira do precipício, completamente sem saber o que fazer para recuperar a amada.

Law, Weisz e Portman também brilham, ainda que a última tenha ficado com a trama menos interessante do filme. Há também a participação de outra cantora, Cat Power - cuja "The Greatest" serve como canção-tema.

Se o enredo tem lá suas irregularidades, Um Beijo Roubado ainda vale pela atmosfera onírica que evoca (algo de costume na filmografia do cineasta), com sua fotografia colorida e edição acelerada.

Como não poderia deixar de ser, o filme se assemelha muito às músicas de Norah Jones: lamentos agridoces envoltos em uma atmosfera leve, e até otimista, no final das contas.

Um Beijo Roubado
Direção: Wong Kar Wai
Com: Norah Jones, Jude Law, Natalie Portman
Nota: 7,5
Média da crítica (segundo o Metacritic): 5,3
Média do público (segundo o IMDB): 7,0

Rufus vem aí

2008-04-09T06:48:00.000-07:00

Parecia brincadeira. Semana passada visitei a comunidade de Rufus Wainwright no orkut e dei de cara com o tópico: “Agora é Oficial. Shows de Rufus no Brasil confirmados no site”. Como era o dia seguinte do 1º de abril, suspeitei que havia sido uma piada infame.

Para minha grata surpresa era verdade. Mesmo sendo pouco conhecido em terras brasileiras, o cantor nova iorquino agendou apresentações no Rio de Janeiro (dia 7 de maio), São Paulo (dia 9) Belo Horizonte (dia 11) e Brasília (dia 13).

Se você acompanha o blog há algum tempo, sabe do meu apreço por Rufus Wainwright, uma das melhores vozes que eu já ouvi em todos os tempos.

Garanti meu ingresso para o show de daqui um mês no Via Funchal. No palco, a promessa é que haverá apenas o músico e um piano. Se perderemos na pegada rock de algumas músicas, a escolha deve render alguns momentos tocantes e mais intimistas.

Enquanto a gente espera, vai o clipe de “Across the Universe”, da trilha sonora de “Uma Lição de Amor”. Não é fácil superar a versão original dos Beatles, mas acho que ele conseguiu, hein?

Os cabelos de Rufus hoje estão mais curtos, mas a voz continua a mesma.

Quando a gente já não depende só da gente

2008-04-07T07:33:00.000-07:00

A pior coisa é não depender apenas de nós mesmos para nos tirar de situações em que a gente mesmo se mete. Se tivéssemos errado menos antes...

Daí ficamos reféns até de quem está acostumado a nos sacanear. Que ainda dá um jeitinho de tirar o corpo fora, apenas para depois jogar na nossa cara que fez a parte que lhe cabia. E nem adianta argumentar que eles acertaram tão tarde que pareceu de propósito, quando a luz no final do túnel já tinha se apagado.

Quando a gente depende de outros resultados ficamos tão confusos que não conseguimos nem fazer o que deveríamos.

1983 – O Ano que Não Terminou

2008-04-02T05:49:00.000-07:00

Quando eu tinha um ano de idade meu pai saiu de casa. Deixou uma lacuna na foto de família que nunca foi preenchida direito.

Desde então, minha vida tem sido uma constante busca de alguém que assuma a figura paterna. Tios, professores, artistas. Qualquer pessoa mais velha com quem eu me identificasse.

A posição é sempre ocupada de forma passageira, pois logo a vida segue e impõe distâncias. Problemas que teoricamente não deveria ter com um “pai de verdade”.

Com o tempo, a diferença de idades entre mim e essas figuras postiças vai diminuindo, de forma que agora eles são mais como irmãos mais velhos – que, diga-se de passagem, não tenho também.

Agora um deles está prestes a sair do país e deixar o posto vago mais uma vez. Um cara que ao conversar comigo sobre uma situação embaraçosa, me aconselhou dizendo: “Se isso fosse um roteiro de filme, como você resolveria? Qual seria a próxima cena?”.

Neste outro filme, o que ele estrela, vejo saudades. E reencontros.

Sob Encomenda

2008-03-26T11:26:00.000-07:00

A moça que entra no blog todas as manhãs de quinta-feira me pediu para escrever sobre a paixão das mulheres por chocolate. E sobre o círculo vicioso “chocolate – culpa – academia – satisfação – chocolate”.

Ela disse isso e depois filosofou, quando entramos em outro assunto: “a vida não é alegre, nem triste. É a vida, e só”. Porque quem vê as coisas maiores do que elas realmente são e atribuem valores exagerados a tudo somos nós mesmos.

E se a vida é como uma caixa de bombons, como dizia Forrest Gump, é apenas uma questão de sentir no paladar o que nos agrada mais. Há quem ache bombom com licor uma delícia. Eu não vejo muita graça neles, e prefiro chocolate branco – insuportável para alguns.

Às mulheres, me parece que mais importante do que o gosto é a quantidade de calorias que cada pedacinho de ovo de páscoa carrega consigo.

E o que representam essas calorias? Porque elas também não são boas, ou más. São só... calorias.

Talvez as coisas sejam simples e a gente anda complicando demais.

Meninos e meninas, vamos comer chocolate sem culpa!

Não Estou Lá

2008-03-22T06:39:00.000-07:00

Além de não ser uma biografia comum, este está longe de ser sequer um filme comum. É mais como uma experiência a ser observada e sentida, cheia de poesia, boas músicas, imagens alegóricas e uma narrativa fragmentada, nunca auto-explicativa.

É bom salientar que não sou profundo conhecedor da vida ou da obra de Bob Dylan. Mesmo assim, quando apareceram na tela os episódios famosos da vaia em seu primeiro show com uma guitarra elétrica ou dele com os Beatles “viajando” em pleno Palácio de Buckingham, a sensação de familiaridade já foi suficiente para me arrepiar. Fico pensando que um especialista em Dylan deve ser arrebatado completamente por Não Estou Lá.

Outra coisa que sei sobre o cantor é sua dificuldade em se ver como o porta-voz de uma geração, ou como o gênio da música folk norte-americana. Ao longo da carreira, Dylan tentou se afastar desses rótulos, ao mesmo tempo em que ganhava notoriedade justamente por causa deles. O dilema permeia todo o filme e é muito bem retratado, principalmente no segmento estrelado por Cate Blanchett, que é o mais interessante tanto pela temática como pela soberba interpretação da atriz australiana.

Entre os outros cinco Dylans, cada qual com um nome diferente e representando uma diferente fase do astro, temos o recluso (Richard Gere), o garoto prodígio (Marcus Carl Franklin), o cantor de protesto que se converte à religião (Christian Bale), o astro de cinema (Heath Ledger) e o poeta esquivo (Ben Wishaw). Todas as histórias são complementares entre si, e apresentam a complexidade da personalidade de Bob Dylan.

A função de dirigir um filme inspirado nele não poderia ter caído em melhores mãos do que Todd Haynes, que já tinha tratado de música em “Velvet Goldmine” (outra obra quase biográfica, desta vez sobre David Bowie, Iggy Pop e a cultura do glam rock) e realizado uma fábula sobre a falência do sonho americano em “Longe do Paraíso”. Com sua sensibilidade aguçada e talento para criar visuais fortes, Haynes se confirma como um dos nomes mais interessantes do cinema atual.

Não Estou Lá
Direção: Todd Haynes
Com: Cate Blanchett, Christian Bale, Heath Ledger
Nota: 8,5
Média da crítica (segundo o Metacritic): 7,3
Média do público (segundo o IMDB): 7,6

A Revolta da Musa

2008-03-19T11:42:00.000-07:00

Estou tendo problemas
Com a minha musa
Não quer mais me inspirar
Só quer ficar reclusa
Diz que vida infeliz como a dela não há

Minha musa não tem
Idéia o quanto é difícil
Dedicar-se à arte
Requer um sacrifício
Mas se não for o dela, sobre o quê vou criar?

Ó minha musa, isso não se faz, isso não se usa
Você sabe que um artista não se dá bem com a recusa
Ó minha musa, como é que nisso tudo eu vou ficar?

Ecos Falsos – “A Revolta da Musa”

Musa. Taí uma palavra que séculos de cafagestajem banalizaram. A ponto de eu ter que recorrer a um dos maiores clichês para início de textos que é procurar a definição de um termo no dicionário. Vamos lá:

1) cada uma das nove deusas que, de acordo com a mitologia romana, presidiam às artes liberais; 2) divindade que se supunha ser inspiradora da poesia; por extensão: tudo aquilo que inspira um poeta; 3) poesia; 4) inspiração;

Musas são frias e inalcançáveis, pois estão em outro patamar. E já explicam pra gente que colocar musas em pedestais é mais de meio caminho para a decepção.

Então qual a linha que separa a persistência da burrice?

Valente

2008-03-18T05:49:00.000-07:00

Nem a direção do renomado Neil Jordan (“Traídos pelo Desejo”, “Entrevista com o Vampiro”) ou a presença cada vez mais rara de Jodie Foster como protagonista foram capazes de convencer a Warner a lançar Valente em circuito comercial no Brasil. Fora algumas exibições no Festival do Rio e na Mostra SP, o filme foi lançado direto em DVD, após o pífio desempenho nas bilheterias norte-americanas.

Na prateleira da locadora, torna-se uma ótima opção para ver em casa. É um filme de suspense com toques dramáticos, e boas atuações de Jodie e Terrence Howard (de “Crash – No Limite”).

O ponto de partida é um pouco batido: Erica Bain é uma apresentadora de rádio que vive um momento feliz de sua vida, já que está prestes a se casar com o médico David Kirmani (Naveen Andrews, o Sayid de “Lost”). Porém, toda essa tranqüilidade é brutalmente interrompida quando o casal é atacado por um grupo de delinqüentes. Ele é espancado até a morte, ela sobrevive.

Tentando reconstruir sua vida, Erica passa a viver de maneira paranóica, com medo da própria sombra. Para se sentir mais segura, compra uma arma. Numa noite ela presencia um assassinato, e resolve atirar no criminoso. A partir daí a situação se repete algumas vezes, e Erica sempre acaba por eliminar os criminosos, tornando-se uma espécie de justiceira.

O rastro destes eventos chama a atenção da polícia, e principalmente do competente detetive Mercer (Terrence Howard). O oficial é ouvinte freqüente do programa de Erica, e aos poucos vai juntando as peças do quebra-cabeça, mesmo que tudo pareça para ele meio improvável.

Muito mais do que sobre vingança, Valente toca no tema do cidadão comum confrontando uma sociedade onde a injustiça passa muitas vezes impune e o clima de insegurança nos cerca. Mais do que o barulho de tiros ou o movimentado clímax no final, são as reflexões dos dois personagens principais que falam mais alto.

Valente
Em DVD
Direção: Neil Jordan
Com: Jodie Foster, Terrence Howard, Naveen Andrews
Nota: 7,5
Média da crítica (segundo o Metacritic): 5,6
Média do público (segundo o IMDB): 7,0

Sai do muro, Cléber

2008-03-17T05:58:00.001-07:00

Odiar Galvão Bueno é fácil. Mas quem me irrita mais entre os narradores de futebol é mesmo Cléber Machado. Sua postura de pacificador e politicamente correto, sempre querendo evitar polêmicas, é insuportável.

Ontem, durante o clássico entre Palmeiras e São Paulo, Cléber tentou colocar panos quentes na cotovelada criminosa que seu quase xará Kléber desferiu no zagueiro André Dias. Enquanto seus colegas de transmissão Arnaldo César Coelho e Caio confirmaram o que a imagem claramente mostrava – que a agressão foi mesmo proposital -, o narrador tentava dizer que talvez não tivesse sido bem assim.

Repare como a maioria dos narradores e comentaristas brasileiros têm extrema dificuldade para criticar habilidades ou posturas de atletas que atuam por aqui, mas não hesitam em dirigir palavras pouco elogiosas para jogadores estrangeiros. Pense comigo: se o mesmo lance do atacante Kléber tivesse acontecido na Libertadores, mas com um jogador argentino dando uma cotovelada num brasileiro, imagine a revolta que iria tomar conta da cabine de transmissão.

Parece que profissionais como Cléber Machado têm medo de causar algum constrangimento com os jogadores nacionais. Vai que eles se encontram em alguma mesa-redonda por aí. Tudo bem que poderia acontece alguma saia-justa, mas um pouco mais de personalidade não faz mal a ninguém.

24 horas no ar

2008-03-12T13:54:00.000-07:00

“If I could I'd fold myself away like a card table
A concertina or a murphy bed, I would
But I wasn't made that way”

Ryan Adams – “Oh My God, Whatever, Etc”

Se eu pudesse me fecharia como uma mesa de cartas, uma sanfona ou um sofá-cama. Mas eu não fui feito assim.

Ao contrário, eu fico aberto 24 horas por dia. E tudo afeta. Todo lamento ecoa, toda insatisfação potencializa. As coisas entram na minha cabeça, por lugares que eu nem sabia que existiam. E ficam lá, uma sobrepondo a outra, disputando a prioridade.

Daí eu vou dormir, mas a cabeça continua insistindo em funcionar. Tenho tido sonhos tão intensos que acordo cansado, e assustado.

Então me dizem que vai passar. Dizem para tomar florais. Dizem que este é o ano 8. Eu tento acreditar. Mas o que eu tenho de mais concreto é o silêncio.

Sem Interpol, sem Jarvis

2008-03-11T06:49:00.000-07:00

Hoje tem show do Interpol no Via Funchal e eu não vou. Os ingressos começaram a ser vendidos cinco meses atrás, e eu basicamente não consegui me decidir se ia ou não. Agora ouvi que esgotou.

Não foi exatamente o preço do ingresso que me desanimou. 50 reais pela meia-entrada é até razoável para um show internacional.

O problema provavelmente é a própria postura da banda. Eles são frios demais, de um jeito quase forçado. Por mais que eu goste das músicas, eles não conseguiram me fazer querer ir ao show realmente, entende?

É claro que hoje, lá pelas 22h, vai bater aquela vontadezinha de estar lá, especialmente depois de ter visto o provável set list, que privilegia boa parte do primeiro disco deles (o que eu mais gosto entre os três já lançados pelo Interpol). Mas depois vai passar.

Dificilmente me arrependerei como me arrependo de ter vacilado e perdido os shows do Pearl Jam por aqui.

Agora, se tem um artista que eu queria muito ver ao vivo é o britânico Jarvis Cocker. O ex-líder do Pulp está na América Latina, mas o Brasil não foi incluído no roteiro. O homem que “não é Jesus Cristo, apesar de ter as mesmas iniciais”, já passou pelo México, toca hoje e amanhã em Buenos Aires e sábado em Santiago do Chile. Isso sim é triste.

Assista os clipes abaixo e diga em qual dos dois shows você preferia estar:

Interpol – “Evil”

Jarvis Cocker – “Fat Children”

Elas

2008-03-05T15:07:00.000-08:00

Um post em homenagem ao Dia das Mulheres que se avizinha.

Algumas dizem o que pensam.
Outras pensam e não dizem.

Algumas são baixinhas e invocadas.
Outras são altas e malandras.

Algumas ainda não sabem o que procuram.
Outras procuram e não acham.

Algumas exigem que você pague a conta.
Outras acham que abrir a porta do carro já é demais.

Algumas querem atenção toda hora.
Outras nem te vêem passar.

Algumas vieram para te explicar.
Outras vieram para te confundir.

Uma me trouxe ao mundo.
Outras ajudam a me manter nele.

Uma me tira o sono.
Outras dizem para eu parar de sonhar.

Juno

2008-02-28T06:12:00.000-08:00

Juno é o típico filme “inho”: bonitinho, bem-feitinho, engraçadinho. É suficiente pra tanto hype em cima dele? Definitivamente não. As quatro indicações ao Oscar foram um exagero só superado pela estatueta dada à estreante Diablo Cody pelo roteiro original.

O que o filme tem de tão original assim? Mostrar uma jovem sarcástica, deslocada e sofrendo por não se encaixar no mundo “normal” não é novidade nenhuma. O tema já foi explorado de diversas maneiras, e alcançou resultados melhores em Impulsividade, Hora de Voltar e Na Natureza Selvagem, só para citar alguns exemplos.

Como os personagens principais de todos esses longas citados acima, Juno (Ellen Page) passa a pensar mais sobre os valores da sociedade em que vive e seu futuro. A mola propulsora desta reflexão é o fato dela estar grávida aos 16 anos.

Consciente de que não está preparada para criar a criança, ela decide procurar um casal que queira adotar o bebê. Os escolhidos são Vanessa (Jennifer Garner) e Mark (Jason Bateman). Ela é uma mulher controladora e obcecada pela idéia de ser mãe, ele é um músico frustrado e ainda um pouco imaturo. As diferenças de personalidade vão causar estragos, inevitavelmente.

Tenho lido por aí que Ellen Page se transformou em musa cult, e que Juno é a namorada que todos gostariam de ter. Bom, eu não. Achei o personagem meio fake demais, com tantas gírias e a postura de tô nem aí friamente calculada. Enquanto seu namoradinho, Paul Bleeker (Michael Cera), é “o sujeito mais legal do mundo sem precisar nem se esforçar” (frase dita num dos melhores diálogos), a pequena Juno é tão forçada que conseguiu me irritar um pouco a certa altura.

Tanta visibilidade transformou o filme em vidraça. Virou um caso em que a platéia se divide entre os que acharam tudo isso e os que não acharam tudo isso. Quem, como eu, ficou neste segundo time sai tão decepcionado que acaba até malhando-o mais do que ele mereceria.

Juno
Direção: Jason Reitman
Com: Ellen Page, Michael Cera, Jennifer Garner
Nota: 7,0
Média da crítica (segundo o Metacritic): 8,1
Média do público (segundo o IMDB): 8,2

Mentira

2008-02-27T08:51:00.000-08:00

Mentira lo que dice
Mentira lo que da
Mentira lo que hace
Mentira lo que va
Mentira la mentira
Mentira la verdad

Todo es mentira en este mundo
Todo es mentira la verdad
Todo es mentira yo me digo
Todo es mentira
Por que será?

Manu Chao – “Mentira”

Disse palavras bonitas cruzando os dedos que escondia embaixo da mesa. Depois, com um sorriso no canto da boca, desapareceu.

Essa obsessão do mundo pela “verdade”, pela “felicidade”... Mentira! É mais fácil manter as aparências, arrumar desculpas e continuar empurrando a vida com a barriga – que, aliás, só cresce a cada dia.

Notinhas pós-Oscar:

2008-02-25T05:32:00.000-08:00

- Mesmo não sendo meu filme preferido entre os indicados, a consagração de Onde os Fracos Não Têm Vez vale mais como reconhecimento ao sólido trabalho de duas décadas dos irmãos Coen.

- Meu favorito, Sangue Negro, saiu com apenas dois prêmios: melhor ator para o excepcional Daniel Day-Lewis e melhor fotografia. Nesta última categoria minha preferência era justamente por Onde os Fracos Não Têm Vez. Gosto é gosto...

- O mestre de cerimônias Jon Stewart estava bem mais engraçado dois anos atrás. Dizem que é reflexo da greve de roteiristas, já que seu texto teve poucos dias para ser escrito.

- Quando uma zebra como Tilda Swilton (melhor atriz coadjuvante por Conduta de Risco) aparece, o que se passa na cabeça dos outros considerados favoritos?

- Comovente as lágrimas da melhor atriz Marion Cotillard (Piaf). A Academia não resiste mesmo quando belas mulheres aceitam ficar feias para viver um personagem. De quebra, a francesa era a mais bonita da noite, ao lado da loira Katherine Heighl (Vestida para Casar).

- Nenhum dos quatro atores premiados é norte-americano. Daniel Day-Lewis e Tilda Swilton são ingleses, Marion Cotillard é francesa e Javier Bardem é espanhol. Foi do merecidamente premiado Bardem um dos discursos mais tocantes da noite.

- O momento mais engraçado da noite ficou com a dupla Seth Rogen e Jonah Hill e sua discussão sobre Halle Berry e Judi Dench. Coroação do ano de Superbad e Ligeiramente Grávidos.

- O espírito folk/indie derrotou o mainstrem na categoria de Melhor Canção Original. Encantada, mesmo com 3 indicações, perdeu para a singela “Falling Slowly”, de Once, apresentada por Colin Farrell:

Na Natureza Selvagem

2008-02-24T05:07:00.000-08:00

Vai dizer que você nunca teve vontade de simplesmente jogar tudo para o alto e simplesmente se isolar do mundo? Enquanto para muitas pessoas este é um desejo que fica reservado aos planos dos devaneios, o norte-americano Christopher McCandless resolveu abandonar a família e a vida em sociedade em geral para se aventurar no Alasca.

Como fica claro em Na Natureza Selvagem, filme dirigido por Sean Penn que conta essa história, a decisão de McCandless (interpretado por Emile Hirsch) foi muito além de uma simples fuga. Era uma maneira de conhecer algo essencialmente real, longe do mundo de falsas necessidades e hipocrisia que o cercava.

Logo após concluir a faculdade, ele doou sua poupança de 24 mil dólares para uma instituição de caridade e simplesmente sumiu. Não disse nada aos pais e nem a irmã, a pessoa com quem tinha mais proximidade.

Ao mesmo tempo em que o filme acompanha a jornada de McCandless, ou melhor, Alexander Supertramp (pseudônimo que adotou durante a viagem), temos os depoimentos da irmã (Jena Malone), que ao mesmo tempo em que demonstram saudade, revelam uma profunda compreensão do que motivou o rapaz a tomar aquela atitude.

Na Natureza Selvagem consegue captar toda essa complexidade. É um daqueles filmes que faz você pensar por muitos dias após a sessão. Será que quanto mais inteligente for uma pessoa, menos chances ela tem de encontrar seu lugar na sociedade que conhecemos?

Enquanto oferece ao espectador a chance dessa reflexão, o filme ainda traz paisagens belíssimas de alguns dos pontos mais remotos dos EUA, e imagens de animais no melhor estilo Discovery Channel. Tudo isso embalado pela ótima trilha sonora de Eddie Vedder. O fato das canções ficarem a cargo do vocalista do Pearl Jam não poderia ser mais apropriado, já que ele é uma das celebridades mais reclusas e reservadas da música.

Mesmo com tudo isso, o filme ainda dependia primordialmente de seu protagonista. E aí Emile Hirsch surpreende, demonstrando uma maturidade que não se via nas suas atuações mais conhecidas, como Show de Vizinha e Alpha Dog.

Veja e pense. Quem sabe a gente não se encontra no Alasca?

Na Natureza Selvagem
Direção: Sean Penn
Com: Emile Hirsch, Jena Malone, Hal Holbrook
Nota: 8,5
Média da crítica (segundo o Metacritic): 7,3
Média do público (segundo o IMDB): 8,3

Sweeney Todd

2008-02-19T05:03:00.000-08:00

Se em Piratas do Caribe a inspiração declarada de Johnny Depp foi Keith Richards, quem seria o modelo para seu Sweeney Todd? No novo filme de Tim Burton o ator solta a voz, vestido no melhor estilo gótico do The Cure e com uma dose de ironia, sarcasmo, desesperança e humor negro que lembram o profeta Jarvis Cocker, ex-líder do Pulp.

Depp é mais um ator que imprime vocação roqueira a um musical (assim como fez Ewan McGregor em Moulin Rouge). Seu personagem assumiu uma nova personalidade após ser preso injustamente e separado de sua esposa e filha. De volta a Londres, ele só tem uma coisa em mente: vingança contra o juiz Turpin (Alan Rickman), responsável por seu isolamento.

O sentimento de ódio é tanto que transborda para toda a população da capital inglesa. Sem critério, Sweeney aniquila qualquer um que venha sentar na cadeira de sua barbearia. Os corpos são posteriormente moídos e servem como recheio para as tortas da Sra. Lovett (Helena Bonham Carter), que nutre uma paixão pelo assassino.

O filme ainda traz Sacha Baron Cohen (o Borat) em participação especial, como um caricato e hilário barbeiro italiano que ameaça os planos de Sweeney Todd.

Como sempre, o visual consagrado por Tim Burton dá as cartas, com um contraste de luz e sombras que lembra o expressionismo alemão. A música, outro elemento sempre bastante presente na filmografia do cineasta, aqui ganha ainda mais importância.

E é exatamente na questão musical que reside o problema de Sweeney Todd. Todas as canções são bastante parecidas, e isso começa a cansar. O lamento do jovem Anthony (Jamie Campbell Bower) por sua amada Johanna (Jayne Wisener) é de uma chatice sem fim. Porém, como num disco conceitual de rock, os momentos mais grandiosos acabam por falar mais alto, e a mensagem é passada, em toda sua fúria.

Veja esse pequeno trecho de uma das grandes cenas do filme, com Johnny Depp cantando:

Sweeney Todd: O Barbeiro Demoníaco da Rua Fleet
Direção: Tim Burton
Com: Johnny Depp, Helena Bonham Carter, Alan Rickman
Nota: 7,5
Média da crítica (segundo o Metacritic): 8,3
Média do público (segundo o IMDB): 8,1

Sangue Negro

2008-02-18T05:39:00.000-08:00

Desde que a Guerra do Iraque começou, surgiram centenas de debates sobre petróleo. Porém, essa esta longe de ser uma questão recente. Tanto é assim que Sangue Negro é fundamental para entender muito sobre as motivações da disputa nos dias de hoje, que tem muito mais a ver com ganância do que com disputas políticas.

A ganância é inerente ao homem? No caso de Daniel Plainview, não há duvida. O personagem, maravilhosamente interpretado por Daniel Day-Lewis, é a encarnação da pior face do capitalismo. Sem medir esforços e extramente hábil na arte da manipulação, ele vai cruzando os Estados Unidos em busca de territórios que possam ser fonte de petróleo.

Acostumado a ganhar comunidades inteiras na conversa, Daniel encontra um adversário à altura em Eli Sunday (o promissor Paul Dano, de “Pequena Miss Sunshine”), jovem pastor de uma certa Igreja da 3ª Revelação que tem planos ambiciosos para sua congregação e está disposto a tirar vantagem da riqueza que sua terra esconde.

A combinação desta sede por petróleo e o desejo por poder disfarçado por um verniz religioso tornam Sangue Negro um filme que ao longo dos anos ainda pode ser muito discutido. Com certeza estamos diante de uma das maiores obras do cinema norte-americano em todos os tempos.

Já tem gente comparando com Cidadão Kane, simplesmente o filme mais importante do cinema hollywoodiano. Exagero ou não, o grau de parentesco mais próximo que mais consegui enxergar nem foi tanto com o longa clássico de Orson Welles, mas sim com as obras teatrais do bardo William Shakespeare.

Assim como nos textos do escritor inglês, o diretor Paul Thomas Anderson (de “Magnólia” e “Embriagado de Amor”) capta em Sangue Negro algumas características essenciais da alma humana, e constrói uma trama calcada em disputas de poder, relações familiares problemáticas e desfecho sangrento.

O filme tem 158 minutos, mas não há cenas dispensáveis. Pelo contrário, a maioria delas é sensacional, auxiliada também pela trilha sonora de Johnny Greenwood, guitarrista do Radiohead.

Segundo as apostas, o filme deve ser preterido no Oscar por Onde os Fracos Não Têm Vez. Se for assim será uma daquelas injustiças que entram para a história. Mais uma semelhança com Cidadão Kane, que saiu da cerimônia de 1942 somente com a estatueta de melhor roteiro original.

Mas o que são os prêmios, comparados com a eternidade? A permanência na memória Sangue Negro já garantiu.

Sangue Negro
Direção: Paul Thomas Anderson
Com: Daniel Day-Lewis, Paul Dano, Ciaran Hinds
Nota: 10
Média da crítica (segundo o Metacritic): 9,2
Média do público (segundo o IMDB): 8,8

O que fica no meio do caminho

2008-02-15T12:05:00.001-08:00

Eu viajo e não volto. Pelo menos não do mesmo jeito. Fico longe da rotina e penso. De fora, sou inundado pela consciência de todos os erros, as escolhas equivocadas, os velhos vícios que não levam a lugar nenhum.

Pedaços caem no chão e deixam espaços vazios. É hora de apertar o botão de reset e procurar novos meios de preenchê-los.

Onde os Fracos Não Têm Vez

2008-02-14T04:16:00.000-08:00

Não lembro de ter visto num passado recente um favorito ao Oscar tão diferente dos padrões da Academia como este Onde os Fracos Não Têm Vez. O filme dos irmãos Coen tem longos momentos silenciosos, personagens multidimensionais e um final extremamente anti-climático.

Se realmente levar o prêmio principal da noite, será uma vitória do cinema independente norte-americano, fato que me agrada bastante. Porém, me parece que o filme está sendo levemente supervalorizado.

Em termos de técnica cinematográfica, o filme é impecável. A direção de Ethan e Joel Coen é primorosa, e a fotografia é linda, principalmente quando contrasta tons escuros com o dourado, criando uma sombria atmosfera do deserto.

Ainda assim, para mim ficou a impressão de que alguns personagens poderiam ser melhor explorados. A começar pelo assassino Anton Chigurh (Javier Bardem, insano), um dos homens mais assustadores que o cinema já apresentou. Vemos Chigurh matar homens e mulheres, mas nunca é dito muito sobre suas origens ou sobre o que se passa em sua cabeça.

Na outra ponta, o xerife Ed Tom Bell (Tommy Lee Jones) é um sujeito que encara a passagem do tempo e vê que talvez não esteja preparado para o mundo novo e violento que está por vir. São de Bell alguns dos momentos mais inspirados do filme, e seria bom vê-lo em cena mais tempo.

O personagem principal acaba sendo Llewelyn Moss (Josh Brolin, de “Planeta Terror”), cowboy que encontra uma mala cheia de dinheiro no meio de um cenário de carnificina. A partir do momento em que coloca as mãos na grana, Moss passa a ser perseguido por Chigurh, que vai deixar muitos cadáveres no caminho. Cabe ao xerife tentar achar uma maneira de operar o milagre de um final feliz. É nesse clima de caçada que o filme segue, mantendo um clima de tensão que nem os poucos momentos de humor negro quebram.

Onde os Fracos Não Têm Vez
Direção: Ethan Coen e Joel Coen
Com: Josh Brolin, Javier Bardem, Tommy Lee Jones
Nota: 8,0
Média da crítica (segundo o Metacritic): 9,1
Média do público (segundo o IMDB): 8,6

Um pra cá, uma pra lá

2008-02-12T07:15:00.000-08:00

Ela gosta que os olhos fiquem abertos, sempre. Eu não quero fechá-los. Olho fixamente para o relógio, tentando ver se o tempo passa mais devagar. Mas ela me puxa, e eu me distraio. O tempo aproveita que não estamos olhando, e corre mais depressa. Contagem regressiva.

O bip que marca cada hora completada transforma meu pulso em uma bomba-relógio. Milhares de coisas passam na minha cabeça. E eu, que nunca tive muita dificuldade em expressar esse tipo de coisa, agora não posso me comunicar sem esbarrar na barreira da língua. Perdido na tradução.

A noite vira madrugada. A madrugada vira manhã. Há um avião a ser pego. Xingamos o destino, a sorte. Mas não nos arrependemos. Nós sempre teremos Buenos Aires, J.

Um gênio chamado Michel Gondry

2008-02-01T04:05:00.000-08:00

Em “Be Kind Rewind”, o novo filme do diretor dos excelentes “Brilho Eterno de Uma Mente sem Lembranças” e “Sonhando Acordado”, Jack Black e Mos Def são dois funcionários de uma videolocadora.

Quando todas as fitas do acervo são apagadas, a dupla decide refazer os filmes por conta própria.

O trailer oficial é esse:

Gondry decidiu entrar no espírito do filme e fazer um trailer no estilo das produções caseiras dos personagens. Simplesmente genial:

OBS: Este blog estará em recesso carnavalesco e pós-carnavalesco. Voltamos dia 15 de fevereiro.

Paranoid Park

2008-01-30T03:01:00.000-08:00

Lá pelos 10 minutos de Paranoid Park, Alex (Gabe Nevins), o personagem principal, diz que vai escrever sua história fora de ordem, pois não é muito bom em redação. Segundo ele, o importante é que tudo estará no papel quando acabar.

A frase resume bem o que é este novo filme de Gus Van Sant. Por meio de idas e vindas narrativas vamos conhecendo o garoto Alex e o drama em que ele se envolve após uma noite de diversão inconseqüente no parque do título, refúgio de skatistas rebeldes.

Diante deste microcosmo, Sant constrói um retrato preciso de como a adolescência pode ser solitária. Aos 16 anos, Alex é um garoto de poucas palavras. Seus pais estão se separando, e ele se esforça para não se importar muito com isso. Ele ainda tem uma namorada de quem nem gosta muito, e tem medo de que a menina queira algo mais sério caso eles façam sexo pela primeira vez.

Como todo adolescente, Alex já teria coisas demais para se preocupar. Porém, quando acontece o acidente que move a trama, sua cabeça vira um verdadeiro turbilhão.

Paranoid Park guarda muitas semelhanças com “Elefante”, o último grande trabalho do diretor – deixemos o entediante “Últimos Dias” de lado, por favor. Mais uma vez Sant utiliza atores semi-amadores e o efeito de fato ajuda a dar mais veracidade à história. Como nunca vimos aqueles rostos antes, fica mais fácil termos a ilusão de que estamos diante de pessoas reais.

É verdade que o virtuosismo do cineasta às vezes resulta em efeitos vazios, como em algumas excessivas câmeras lentas. No entanto, na maior parte do tempo a construção da linguagem reforça a confusão que está rolando no pequeno Alex, interpretado com surpreendente desenvoltura pelo estreante Nevins.

Um filme para ser visto e revisto, e cada vez descobrir mais coisas boas sobre ele.

Paranoid Park
Direção: Gus Van Sant
Com: Gabe Nevins, Jake Miller, Taylor Momsen
Nota: 9,0
Média da crítica (segundo o Metacritic): Não disponível
Média do público (segundo o IMDB): 7,5

4 Meses, 3 Semanas e 2 Dias

2008-01-29T03:35:00.000-08:00

Definitivamente, este não é um filme fácil. É preciso ir preparado e com a mente aberta, por dois motivos: o tema polêmico (aborto) e a conduta escolhida para a narrativa, cheia de planos seqüências com a câmera fixa e tomadas longas, muito longas.

Por tudo isso, 4 Meses, 3 Semanas e 2 Dias tem a virtude inegável de não deixar o espectador indiferente. A câmera é sufocante e opressora, e é impossível não se envolver com o drama de Otilia (Anamaria Marinca).

E olha que nem é Otilia quem vai abortar. Ela na verdade está disposta a ajudar Gabriela (Laura Vasiliu), esta sim grávida. Para auxiliar sua amiga, Otilia vai passar por situações que testam seus limites físicos e morais, e terá que se manter forte diante delas.

Como cinema, esta premiada produção romena (vencedora do Festival de Cannes) lembra muito a estética dos irmãos Dardenne (“A Criança”). Clima tenso, e uma edição que nos joga diretamente na pele da protagonista. É um tipo de linguagem que costuma agradar aos críticos, e irritar o público.

De fato, passei boa parte dessa experiência me sentindo mal. O final, porém, provocou uma espécie de catarse e um alívio. Na verdade, é um filme que até agora, quatro dias depois de assisti-lo, ainda estou digerindo. O que já é um mérito por si só, tendo em vista que a maioria do que vemos nos cinemas atuais começam a desaparecer da memória assim que as luzes acendem.

4 Meses, 3 Semanas e 2 Dias
Direção: Cristian Mungiu
Com: Anamaria Marinca, Laura Vasiliu, Vlad Ivanov
Nota: 8,0
Média da crítica (segundo o Metacritic): 9,8
Média do público (segundo o IMDB): 8,1

Os Indomáveis

2008-01-28T03:49:00.000-08:00

Da aparente retomada dos westerns em Hollywood (vide “O Assassinato de Jesse James” e os oscarizáveis “Onde os Fracos Não Têm Vez” e “Sangue Negro”), este Os Indomáveis parece ser o mais clássico deles. Nada mais natural, sendo uma refilmagem de um filme de 1957.

O típico duelo entre o vilão sedutor e o mocinho que vive se dando mal por ser bonzinho é representado desta vez por Russel Crowe e Christian Bale. Crowe é Ben Wade, um dos criminosos mais procurados do Velho Oeste e especialista em roubos de diligências oficiais. Bale vive Dan Evans, honesto pai de família que precisa desesperadamente de dinheiro para não ser despejado de casa.

O caminho destes dois se cruza quando Ben Wade pratica um assalto perto da propriedade de Evans. Num descuido posterior, o criminoso é capturado e o xerife local arma uma operação para colocá-lo na prisão. Para isso, Wade precisa ser escoltado até o trem das 3:10 para Yuma, local onde ficará encarcerado. Atraído pela recompensa monetária, Dan Evans decide ser um dos homens incumbidos da tarefa.

O cerne do filme é a relação entre os dois antagonistas, e aí dá gosto de ver dois ótimos atores em atuações inspiradas. Se Russel Crowe parece estar se divertindo o tempo todo, e oferece à platéia um daqueles bandidos com os quais fica impossível não simpatizar, Christian Bale retrata uma reserva moral, um homem que ainda acredita no caminho correto, apesar de todos os outros não hesitarem em pegar atalhos. No meio dos dois personagens ainda há o filho de Evans, que aparece no meio da missão, cheio de sentimentos de admiração e medo por Ben Wade, ao mesmo tempo em que quer permanecer fiel a seu pai.

James Mangold, diretor irregular de “Johnny & June” e “Garota, Interrompida”, acerta aqui em deixar a ação correr solta. As duas horas de duração passam rapidinho, até chegar no clímax tenso e até emocionante. Os Indomáveis mostra que ainda há bastante lugar para westerns em dias atuais.

Os Indomáveis
Direção: James Mangold
Com: Russel Crowe, Christian Bale, Ben Foster
Nota: 8,5
Média da crítica (segundo o Metacritic): 7,6
Média do público (segundo o IMDB): 8,1

Platão 501

2008-01-23T07:49:00.001-08:00

Virou um ritual. Saía de casa todos os dias e subia para o quarto 501. Tinham lhe dado essa chave num sorteio, um raro golpe de sorte numa vida em que os jogos de azar não costumavam lhe favorecer.

Passou a acordar mais feliz. Passou a dormir menos. Passou a não dormir. Só estava em paz quando subia o elevador, num percurso em que seu coração batia mais rápido do que o painel que indicava as passagens de andar. Virava a chave. Lá estava o 501, do jeito que se lembrava dele.

Não era quente nem frio. Era bonito, mas outras pessoas poderiam argumentar que existiam quartos mais bonitos na cidade. Mas a ele agradavam os espaços em branco, as prateleiras que pareciam ter passado todo esse tempo esperando os livros, os discos e os filmes que só ele poderia trazer. Ele sentia que cabia no 501, embora falhasse quando tentava racionalizar os motivos.

A convivência era silenciosa. Por muitas vezes ele gostava de parar o que estava fazendo e apenas observar, sem fazer um som. O quarto não o olhava de volta, não tentava ler seus pensamentos. O 501 lhe deixava em paz.

Por quanto tempo mais ficaria ali, ele não sabia. Mas era grato por ter tido a oportunidade de ter passado uns dias por lá.

Jokerman

2008-01-23T04:04:00.000-08:00

So swiftly the sun sets in the sky,
You rise up and say goodbye to no one.
Fools rush in where angels fear to tread,
Both of their futures, so full of dread, you don't show one.
Shedding off one more layer of skin,
Keeping one step ahead of the persecutor within.

Jokerman dance to the nightingale tune,
Bird fly high by the light of the moon,
Oh, oh, oh, Jokerman.

“Jokerman”, de Bob Dylan.

Morreu Heath Ledger, o próximo Coringa e uma das encarnações de Bob Dylan em “I’m Not There”.

Este blog está de luto.

Read Your Mind

2008-01-22T12:43:00.000-08:00

Ela já disse que eu sou calmo demais.
Ela deve achar que eu acho seu gosto ridículo.
Ela deve ter vergonha de contar as coisas que ela assiste.

Ela, igual às outras, deve achar que eu prefiro as que fazem pose.
Ela deve achar que a minha quietude é a paz.

Ela deve achar que eu não me importo.

Chove

2008-01-19T17:03:00.000-08:00

Chove.
2100 minutos sem parar.
Vai enchendo.
Enchendo.
Enchendo.
Vai transbordar.
Eu já coloquei minha capa.
Amarela.
De porta de estádio.
Impermeável.
Pra que só chova em mim.
E não transborde pra cima de você.

Desejo e Reparação

2008-01-14T15:50:00.000-08:00

Desejo e Reparação é uma questão de ponto de vista. Não exatamente porque há quem vá achá-lo um filme meloso, correto e bem-feito enquanto outros vão se emocionar e se surpreender com a história. Mais do que isso, Desejo e Reparação é uma mostra de como um fato pode ser visto de diferentes s de ângulos e o estrago que isso é capaz de provocar.

Briony Tallis (Saoirse Ronan) tem 11 anos e é a caçula de uma abastada família inglesa em 1935. Precoce, a menina escreve seus primeiros contos e peças de teatro para os primos encenarem. A imaginação fértil dela, no entanto, misturada a sentimentos de atração e vingança por uma paixão não correspondida, vai causar um mal-entendido que a perseguirá pelo resto de sua vida.

Os principais afetados são Cecília (Keira Knightley) e Robbie (James McAvoy, de “O Último Rei da Escócia”, rumo ao estrelato). Ela é a irmã mais velha de Briony, que engata um caso com Robbie, o filho da empregada da fazenda. Quando o romance entre os dois parecia começar a sair do plano platônico para o real, um evento infeliz os separou.

Não deixe se enganar pela sensação de deja vu que o parágrafo anterior possa ter lhe causado. O diretor Joe Wright orquestra tudo de forma a fugir do lugar comum, usando travellings e outros movimentos que com certeza ainda servirão para ilustrar aulas de cinema. O plano seqüência que mostra a chegada de Robbie, como soldado, a uma praia francesa durante a 2ª Guerra é de cair o queixo só de pensar no trabalho que deve ter dado para sincronizar as diversas ações que acontecem ao fundo. É uma clara evolução do trabalho anterior de Wright, a adaptação apenas correta e sem grandes inventividades de “Orgulho e Preconceito”.

Nos quesitos mais técnicos como fotografia, direção de arte e figurinos tudo é belíssimo. Já a trilha sonora composta por Dario Marianelli é soberba, principalmente na música tema da personagem Briony, pontuada pelo som de uma máquina de escrever usada como instrumento sinfônico.

Por tudo isso, Desejo e Reparação é sem dúvida o filme com mais “cara de Oscar” da temporada, no sentido clássico da expressão. Significa que vá ou sequer merece ganhar a estatueta principal? Difícil dizer, ainda mais porque os outros possíveis candidatos ainda não estrearam por aqui. A vitória no Globo de Ouro em duas categorias (justamente melhor filme de drama e melhor trilha sonora) pode ser um indicativo.

Independentemente dos prêmios, que fazem até muita gente torcer o nariz, trata-se de uma grande obra que utiliza o melhor da linguagem cinematográfica.

Desejo e Reparação
Direção: Joe Wright
Com: Keira Knightley, James McAvoy, Saoirse Ronan, Vanessa Redgrave
Nota: 9,5
Média da crítica (segundo o Metacritic): 8,5
Média do público (segundo o IMDB): 8,1

Meu Nome Não é Johnny

2008-01-12T04:52:00.000-08:00

Selton Mello está tão acima da média do cinema brasileiro que é covardia. Já é assim há algum tempo, e 2008 começa da mesma maneira com Meu Nome Não é Johnny, filme que o ator salva da mediocridade e faz valer a pena ser visto.

O mérito de Selton não está apenas em sua grande atuação, mas em levar muito de sua própria personalidade para o longa. Estão lá as referências à cultura pop e o humor irônico, características que Selton Mello “empresta” ao trabalho do diretor Mauro Lima.

O roteiro, adaptação por Lima e Mariza Leão do livro de Guilherme Fiúza, apresenta o velho problema das falas declamadas e discursivas que assolam o cinema brasileiro. Toda a seqüência que retrata a infância de João Estrella é constrangedora de tão falsa. A partir daí começa a história de ascensão e queda do jovem de classe média que virou traficante e viciado em cocaína.

O salto de qualidade a partir da entrada em cena do João interpretado por Selton Mello é impressionante. Fazendo de seu personagem um sujeito que vive a mil por hora, ele vira uma metralhadora giratória de falas e gags engraçadíssimas. Pena que sua parceira Cleo Pires tem tão pouco a oferecer além da beleza.

Assim como “Tropa de Elite”, Meu Nome Não é Johnny traz uma série de gírias e expressões que devem cair no gosto popular.

Em seu ato final, porém, o filme resolve dar uma lição de moral na platéia e mostrar o inferno que Johnny viveu na prisão. A quebra de ritmo é uma ducha de água fria não só no personagem, mas também para a platéia.

Meu Nome Não é Johnny
Direção: Mauro Lima
Com: Selton Mello, Cleo Pires, Rafaela Mandelli
Nota: 7,0

I Told You I Was Trouble, de Amy Winehouse

2008-01-10T03:50:00.000-08:00

Amy Winehouse vive uma verdadeira montanha-russa, subindo e descendo vertiginosamente em meu conceito a cada aparição que faz.

Tudo porque sua cabeça fraca com certeza vai minar uma carreira que tinha tudo para ser sensacional, e eu não me conformo. Amy podia ser uma das principais estrelas do início do século XXI. Tem voz inacreditável e escreve letras sinceras e tocantes. Mas parece que seu futuro é mesmo uma overdose. Nesse site você pode até apostar no dia em que ela vai morrer e concorrer a um iPod Touch.

Enquanto isso não acontece, sua gravadora aproveita para lançar o DVD I Told You I Was Trouble, que apresenta um show da cantora em Londres e um documentário de aproximadamente 50 minutos contando um pouco de sua trajetória, com depoimentos dela e de seu simpático pai, que virou figura conhecida pelos apelos públicos para que a filhota pegasse mais leve no estilo vida loka.

Suponho que o público que vai a um show de Amy Winehouse deve ficar com um pé atrás. Ela vai se comportar bem ou aparecer chapada, dando tapas na própria cabeça e abandonar a performance lá pelo meio?

A apresentação registrado no DVD é impecável. É Amy em seu melhor estilo, cantando todas as músicas do espetacular “Back to Black”, outras do álbum de estréia, “Frank”, e alguns covers, como a inesperada “Valerie”, dos Zuttons, uma das bandas mais interessantes do rock atual, mas ainda pouco conhecida por aqui.

Brincando com a platéia e fazendo juras de amor ao marido (focado diversas vezes pela câmera e muso inspirador da maioria das músicas de “Back to Black”, composto durante um período de separação entre eles), Amy Winehouse mostra o que todo fã de boa música gosta e espera dela. Uma postura irreverente, sim, mas que não impeça que mais álbuns e shows memoráveis estejam por vir. Talvez seja pedir muito.

Novos significados para velhas canções

2008-01-08T12:03:00.000-08:00

É impressão minha ou “I Still Haven’t Found What I’m Looking For”, uma das músicas mais famosas do U2, tem uma letra extremamente depressiva?

Provavelmente foi meu estado de espírito na noite de ontem que proporcionou esta revelação. E aqui cabe uma reflexão sobre o poder que as boas obras de arte possuem de mudar de sentido conforme o momento que você ouve uma música, vê um filme, lê um livro, etc.

Analise comigo os versos de “I Still Haven’t Found What I’m Looking For”:

I have climbed highest mountains
I have run through the fields
Only to be with you
Only to be with you
I have run
I have crawled
I have scaled these city walls
These city walls
Only to be with you
But I still haven't found what I'm looking for

Ou seja: o cidadão se mata para escalar montanhas, corre pelos campos, engatinha, escala os muros da cidade, só para estar com alguém. Até aí seria uma declaração de amor normal e até piegas. O lance é a frase seguinte, onde o autor confessa que, apesar de tanto esforço, quando o cara chega lá o vazio em sua alma permanece. Ele ainda não encontrou aquilo que está procurando.

I have kissed honey lips
Felt the healing fingertips
It burned like a fire
This burning desire
I have spoke with the tongues of angels
I have held the hand of a devil
It was warm in the night
I was cold as a stone
But I still haven't found what I'm looking for

Frustração pouca é bobagem. Nosso herói beijou lábios de mel, falou na língua dos anjos, segurou a mão do diabo... e nada. Ele ainda não encontrou aquilo que está procurando.

I believe in the Kingdom Come
When all the colors will bleed into one
Bleed into one
Well, yes I'm still running
You broke the bonds
And you loosened the chains
Carried the cross
Of all my shame
all my shame
You know I believe it
But I still haven't found what I'm looking for

Aqui a coisa fica ainda pior. A letra explicita um lado religioso. Bono diz que acredita que Jesus carregou a cruz dos pecados, mas que mesmo assim não encontrou o que está procurando. Nem a religião o salvou dessa crise.

Pois é, Bono. Eu ainda não encontrei também. Mas você continua me ajudando a procurar?

Ano Novo?

2008-01-05T13:00:00.000-08:00

Estava no orkut há 20 dias, mas ele lembraria mesmo assim. Deu meia-noite. Pegou o carro e saiu em sua direção, como planejou que faria quando chegasse a data. Era o pretexto perfeito para matar a saudade acumulada depois de quase dez dias de afastamento forçado.

O endereço, anotado em um pedaço de papel que há um mês repousava dobrado no guarda-luvas, foi devidamente procurado no guia. O trajeto foi estudado. O discurso foi pensado, ensaiado, até ele chegar à conclusão de que o melhor seria simplesmente improvisar. Começaria com “parabéns” e evoluiria dali, seguindo os rumos que a conversação traçasse.

O frio na barriga. A insônia nas noites anteriores. Segurando o volante, as mãos suavam. Aquele filme já havia sido exibido na sua cabeça em sessões ininterruptas, mas ainda não se sentia preparado. Era o ritual que se repetia sempre nessas ocasiões, por mais que odiasse.

Fez o percurso com o maior dos cuidados. Mas não contava com o imprevisto. Coisa que, devido a sua história pessoal pregressa, devia prever. A rua, seu destino, estava interditada. Três cavaletes de concreto alinhados em cada uma das pontas. Os obstáculos, antes resguardados apenas aos planos das figuras de linguagem, agora eram reais. Concretos.

Não havia número a ser discado. Não dava para ir até lá caminhando. Respirou fundo, paralisado. Não era para ser.

Restou dar meia volta. Ligar o computador. Desejar felicidades via mundo virtual, como todo mundo faz.

2008 apresenta seu cartão de visitas.

Os Melhores Filmes de 2007

2007-12-27T16:05:00.000-08:00

Os 10 melhores filmes que vi no cinema durante o ano que está acabando.

10. Pecados Íntimos, de Todd Field
Quando estão frente a frente com assuntos espinhosos, os adultos podem se comportar como criancinhas. Essa tese nua e crua é a base de um filme forte e demolidor, que conta com uma atuação soberba de Kate Winslet.

09. Borat, de Larry Charles
O segundo melhor repórter do Cazaquistão virou o maior fenômeno do humor do cinema no século XXI. Com seu humor grosseiro e preconceituoso, reflexo de boa parte da sociedade ocidental atual, o bigodudo estrela o filme mais engraçado do ano.

08. Viagem a Darjeeling, de Wes Anderson
O diretor de “Os Excêntricos Tenembaus” e “A Vida Marinha com Steve Zissou” continua seu estudo sobre a alma humana em situações extremas. Cada vez mais imerso em seu próprio universo, Anderson confirma-se como um dos mais relevantes cineastas de hoje.

07. Sunshine – Alerta Solar, de Danny Boyle
Depois de focar sua câmera na juventude problemática (“Trainspotting”), zumbis (“Extermínio”) e até nas crianças (“Caiu do Céu”), Boyle explora a fronteira final, o espaço. O resultado é um filmaço de ficção científica com visual absolutamente arrebatador.

06. Control*, de Anton Corbjin
Um dos mais consagrados fotógrafos musicais da história do rock, Corbjin não poderia ter escolhido material melhor para estrear na direção de filmes. Sua biografia de Ian Curtis é poética, a música é alta e, apesar de trágica, a história consegue ficar leve na maior parte do tempo.

05. Zodíaco, de David Fincher
Depois de cinco anos afastado, o sempre interessante David Fincher voltou. Comandando mais uma vez um suspense (assim como “Seven”, o filme que o fez famoso), o diretor preferiu abrir mão de virtuosismos e segurou firme na intrincada trama real de um serial killer que se tornou um dos maiores mistérios criminais dos EUA.

04. Antes que o Diabo Saiba que Você Está Morto*, de Sidney Lumet
O gênero dos filmes de roubos precisava de algo original desde que Quentin Tarantino abalou o mundo com “Cães de Aluguel”. O vetereno Lumet (de 81 anos!) tira proveito de um ótimo roteiro que mistura assalto e drama familiar, e ainda arranca atuações soberbas de Phillip Seymour Hoffman, Ethan Hawke, Marisa Tomei e Albert Finney.

03. O Ultimato Bourne, de Paul Greengrass
A trilogia que reinventou o cinema de ação e espionagem (influenciando até o novo 007) chega ao seu final de maneira espetacular. A câmera nervosa de Greengrass nunca foi tão bem utilizada como nessa aventura do herói de poucas palavras e que não quer ser engraçadinho ou dormir com todas as mulheres que encontra na rua. Bourne só quer resolver sua vida.

02. Sonhando Acordado*, de Michel Gondry
Até quando vamos esperar pela estréia brasileira oficial do sucessor de “Brilho Eterno de Uma Mente sem Lembranças”? Os felizardos que viram alguma das concorridas sessões na Mostra SP saíram satisfeitos em ver uma história de amor torta e bem-humorada, com toda a criatividade visual que Gondry já mostrava bem em sua época de diretor de videoclipes.

01. Mais Estranho que a Ficção, de Marc Forster
Nenhum roteiro bateu a originalidade deste, escrito pelo estreante Zach Helm. A história de Harold Crick (Will Ferrell, em sua melhor e mais desafiadora atuação), o homem solitário que descobre ser o personagem de um livro com final trágico é emocionante sem ser piegas e inteligente sem ser intelectualóide.

* Filmes exibidos na Mostra Internacional de Cinema de São Paulo.

Relembre:
Os melhores filmes de 2005
Os melhores filmes de 2006

O Câmbio e Desligo volta em 2008. Um ano-novo repletos de bons filmes, boas músicas e bons momentos. E que os momentos não tão bons pelo menos rendam textos legais.

As Melhores Músicas de 2007

2007-12-21T05:39:00.000-08:00

10. “Straight Lines” – Silverchair
Os meninos australianos cresceram, abandonaram o grunge de vez e parecem ter sido esquecidos pelo grande público. “Young Modern”, o discaço que a banda lançou este ano, nem chegou ao Brasil. Graças à internet podemos conhecer pérolas do pop/rock como este single, que tem momentos grandiosos que chegam a lembrar U2.

09. “Stronger” – Kanye West
Kanye é o único rapper que vale a pena no cenário atual. Politizado e com uma visão do mundo que vai muito além da dobradinha grana/mulherada, ele ainda apavorou 50 Cent no duelo que marcou o ano nos EUA. Em “Stronger” o cantor ainda mostra seu talento para samplear, reinventando uma música do Daft Punk.

08. “The Pretender” – Foo Fighters
Voltando à simplicidade que marcou a carreira de sua banda, Dave Grohl compôs mais um hit poderoso. Lida ocasionalmente como uma crítica ao governo norte-americano, “The Pretender” é aquela canção rápida com paradas estratégicas, ideal para ser entoada em arenas mundo afora.

07. “Song For Clay (Disappear Here)” – Bloc Party
Está certo que “A Weekend in The City”, o segundo álbum da banda, não é tão bom quanto o primeiro, “Silent Alarm”. Porém, ainda há lampejos como esta climática faixa de abertura que começa anunciando o memorável verso: “I’m trying to be heroic/In na age of modernity”.

06. “Keep the Car Running” – Arcade Fire
A big band canadense dividiu opiniões com “Neon Bible”. Mas ninguém discorda que esta é uma das mais belas faixas do ano. Ao mesmo tempo empolgante e ameaçadora, “Keep the Car Running” ganhou até versão cover dos Foo Fighters e Dave Grohl disse que acorda todo dia com a música.

05. “Better” – Regina Spektor
Lançado este ano no Brasil, “Begin to Hope” é o álbum mais acessível desta cantora russa que parece uma versão menos freak de Bjork. Em “Better”, Regina mostra seu lado mais rock, auxiliada pela guitarra esperta de Nick Valensi, dos Strokes.

04. “Fluoroscent Adolescent” – Arctic Monkeys
Os meninos ingleses sobreviveram ao hype. O segundo disco é bem seguro, e confirma as promessas da estréia. Os shows no Brasil provaram a competência da banda, que neste single mostra que seu rock também tem gingado.

03. “Back to Black” – Amy Winehouse
Mesmo sendo uma baita cantora e compositora, Amy tanto fez que conseguiu ter seu ano ofuscado pelas constantes lambanças que faz. Como tudo indica que uma overdose será iminente, esta é a música perfeita para lembrarmos dela.

02. “You Don’t Know What Love Is (You Just Do As You’re Told)” – White Stripes
A mente mais brilhante da música atual nos presenteou com outro grande disco, “Icky Thump”. Nesta quase balada Jack White dá alguns conselhos para alguém que precisa aprender muito na vida. O solo de guitarra que fecha a música é um dos momentos mais eletrizantes da música em 2007.

01. “Halloweenhead” – Ryan Adams
Um dos grandes favoritos da casa, Ryan este ano fez barba e cabelo. “Easy Tiger” é o melhor disco de 2007, e “Halloweenhead” é a melhor música, posto que poderia muito bem ser ocupado por outras grandes canções do disco, como “The Sun Also Sets” e “I Taught Myself How to Grow Old”.

Ouça aqui as 10 músicas:

SeeqPod Music beta - Playable Search

Relembre:
As melhores músicas de 2005
As melhores músicas de 2006

O melhor disco de 2007

2007-12-19T07:24:00.000-08:00

É impressionante como mesmo com uma média de mais de um álbum por ano, Ryan Adams ainda mantenha seus lançamentos sempre em alto nível.

Em Easy Tiger o talento de letrista casa perfeitamente com o vocal de Ryan, em sua melhor forma até agora. Ao longo de 13 faixas o cantor e sua banda de apoio oficial (The Cardinal) nos levam para uma viagem por vezes divertida, outras introspectivas, sempre construindo um clima do qual é impossível não chegar ao último minuto com o coração apertado.

A coisa começa com “Goodnight Rose”, que engana ao dar o pontapé inicial com uma letra esperançosa, algo do tipo “nada como um dia após o outro”. A música seguinte, “Two”, com backing vocal de Sheryl Crow, já é mais na linha preferida de Adams, a dos desencontros amorosos: “I got a really good heart/I Just can’t catch a break/If I Could I’d treate you like you want me to/I Promise”.

A rotação aumenta em “Halloweenhead”, a mais rock n roll do álbum. Em mais uma de suas sacadas geniais, Adams diz que sua cabeça é como a festa de Dia das Bruxas, ao mesmo tempo cheia de doces e travessuras. No meio disso tudo ele ainda faz uma brincadeira ao gritar “guitar solo!” para introduzir, err...bem, um solo de guitarra. É algo bom saber que ele também não se leva tão a sério.

Porém, quando se despe de sua vestimenta de roqueiro e dá vazão ao lado romântico desesperado, surgem duas das melhores músicas de sua carreira, interpretadas de maneira nada menos que perfeita: “The Sun Also Sets” e “I Taught My Self How to Grow Old”, esta um desfecho dilacerador para o melhor disco de 2007.

Vale a penar ver a emocionante performance de “I Taught My Self How to Grow Old” no David Letterman:

I Wanna be Sedated

2007-12-17T09:35:00.001-08:00

A pior impotência não é aquela que aflige a maioria dos homens. Essa dizem que é só tomar uma pílula azul e beleza, tá tudo funcionando de novo.

Muito pior do que isso é você ter um monte de idéias geniais e não poder concretizá-las.

É você escrever um texto que gostou tanto e ver o departamento de cima mudando para um tom mais comercial.

É bolar um roteiro e não ter tempo, dinheiro ou condições para filmá-lo.

É pensar em coisas legais pra fazer por alguém que você sabe que não dará a mínima bola para isso.

Sorte têm aqueles que não lembram dos sonhos quando acordam.

Rindo homenaje

2007-12-13T10:19:00.001-08:00

5 Constatações de 2007

2007-12-11T04:41:00.000-08:00

1. Pessoas de lua me confundem. Por isso eu as evito.

2. Para ganhar jogos no Winning Eleven é preciso colocar dois jogadores abertos pelas pontas.

3. Amigo é quem se solidariza quando seu time cai para a 2ª divisão.

4. Ronaldinho Gaúcho não é tudo isso.

5. O desapego é a chave da felicidade.

No Vale das Sombras

2007-12-07T03:28:00.000-08:00

Paul Haggis sabe captar o espírito dos acontecimentos à sua volta e transformar isso em bons filmes. Quando os Estados Unidos queriam mostrar para o mundo que as feridas do 11 de setembro começavam a cicatrizar, veio “Crash – No Limite”, uma crítica generalizada ao preconceito racial. O filme dividiu opiniões, mas levou o Oscar e o 2º lugar na lista do top 10 deste blog em 2005.

Agora, com a Guerra do Iraque sem hora para acabar, Haggis lança outro projeto autoral, e por isso mesmo dirigido por ele próprio.

Em No Vale das Sombras Tommy Lee Jones é Hank Deerfield, pai que busca notícias do filho, recentemente retornado do Iraque e desaparecido. Ele viaja para a região do alojamento militar onde o garoto vivia para tentar descobrir o que realmente aconteceu. Vai se deparar com um fato trágico, que desencadeará uma intrincada investigação por parte da polícia e do próprio Hank. As duas investigações alternarão momentos conflitantes e de colaboração.

Mais do que o crime que dá o nó dramático no enredo, o ponto fundamental do filme é a crítica à banalização da violência e uma reflexão sobre o momento ideológico delicado que vive a nação norte-americana.

Se como diretor Paul Haggis não tem arroubos de criatividade e é até bastante conservador, como roteirista ele é o exato oposto. As falas são redondinhas e a mensagem é passada com perfeição.

O cineasta tem também sensibilidade suficiente para não exagerar na dramaticidade de uma história que é forte por si só. Neste quesito o mérito vai também para Tommy Lee Jones, em uma das melhores atuações da carreira. O Hank Deerfield que o ator apresenta é um homem que carrega o peso do mundo nas costas durante o filme todo. Seu sofrimento, suplantado pela vontade de encontrar a verdade é absolutamente hipnotizante.

E palmas para a cena final, pedrada monstro no imperialismo yankee.

No Vale das Sombras
Direção: Paul Haggis
Com: Tommy Lee Jones, Charlize Theron, Susan Sarandon, Jason Patric
Nota: 8,0
Média da crítica (Metacritic): 6,5
Média do público (IMDB): 7,7

Os piores vícios do cinema brasileiro e o perigo do voto popular

2007-12-06T03:27:00.000-08:00

O YouTube promoveu um concurso internacional para premiar e dar visibilidade a novos diretores. Para concorrer, os participantes deveriam enviar curtas-metragens que respeitassem algumas regras: ter entre 2 e 7 minutos de duração, falar sobre um personagem que precisa lidar com uma situação para a qual ele ainda não é maduro o suficiente, possuir uma cena onde uma pessoa passa uma foto para outra e incluir a frase “eu exijo uma explicação para essas besteiras. O que você tem a dizer?”.

Pois bem. Centenas de vídeos foram enviados, e dos 20 selecionados como finalistas 11 eram dos EUA, quatro espanhóis, dois ingleses, um italiano, um canadense e um brasileiro. Os 20 seriam destacados no YouTube, e a decisão sobre o ganhador (que levaria U$ 5.000 e uma sessão especial no Festival de Sundance) seria por voto popular.

O concorrente brasileiro era esse aqui abaixo, “Laços”:

Gostou? Eu não. Na minha opinião, “Laços” é um exemplo perfeito do que há de pior no cinema brasileiro:
- muita preocupação com o texto e quase nenhuma com a linguagem cinematográfica;
- história sentimentalista com fundo intelectualóide;
- atuações demasiadamente teatrais;
- superfaturamento: a equipe disse que gastou R$ 2.000 para fazer. Eu pergunto: onde?

E o pior de tudo, realizado por gente que já tem nome no mercado. A diretora Flávia Lacerda já fez quadros pro Fantástico e outros programas globais, enquanto Adriana Falcão é uma das roteiristas mais requisitadas dos “blockbusters” do cinema nacional, tendo escrito as bombas “Se Eu Fosse Você” e “Irma Vap – O Retorno”, entre outras. Ou seja, o que era pra ser uma vitrine para gente nova é mais uma prova da concentração de poder na produção nacional.

Para a minha surpresa, “Laços” foi o vencedor. Provavelmente houve uma grande mobilização em blogs, fotologs e orkut para a votação, movida talvez por um pouco de torcida sem critério pelo curta brasileiro.

A credibilidade de votações assim é nula.

O Assassinato de Jesse James Pelo Covarde Robert Ford

2007-12-04T03:18:00.000-08:00

Vá por Brad Pitt, fique por Casey Affleck. Se o marido de Angelina Jolie é a princípio quem mais chama atenção no elenco e está sendo até cotado ao Oscar pelo papel de Jesse James, o irmão de Ben Affleck tem uma atuação impressionante, daquelas que seria um crime a Academia não reconhecer com pelo menos uma indicação para melhor ator coadjuvante.

Affleck é o Robert Ford do título, sujeito sem nenhum talento especial completamente obcecado pelo assaltante Jesse James (Pitt), a principal celebridade de sua época (idos de 1880). Já no final de sua carreira, James reúne um grupo de ladrõezinhos caipiras para seus últimos golpes. É a chance de Ford entrar para a gangue, e ter contato direto com seu ídolo.

Como era provável que acontecesse, Bob Ford decepciona-se enormemente ao conhecer o objeto de tanta devoção. Jesse James está cheio de incertezas e caminhando rumo à depressão, cada vez mais distante daquele ideal de valentia e onisciência. A atuação de Brad Pitt (boa, mas não inesquecível) parece a de um Tyler Durden (seu personagem em “Clube da Luta”) do Velho Oeste.

Ao saber de antemão o desfecho, revelado pelo título do filme, é impossível não pensar em John Lennon/Mark Chapman.

Mas há um sério problema de duração em O Assassinato de Jesse James pelo Covarde Robert Ford. O primeiro corte bateu as proibitivas 4 horas de projeção. Para seu lançamento comercial, o diretor Andrew Dominik e Brad Pitt, também produtor, quebraram a cabeça para fechar nas 2 horas e 40 minutos. Mesmo assim é muito.

Fosse menos truncado em seu miolo, estaria com certeza entre os melhores do ano. Mesmo assim, sua fotografia, trilha sonora (de Nick Cave, que inclusive faz uma ponta), e Casey Affleck colocam o resultado acima da média.

O Assassinato de Jesse James Pelo Covarde Robert Ford
Direção: Andrew Dominik
Com: Brad Pitt, Casey Affleck, Sam Rockwell, Mary-Louise Parker
Nota: 7,5
Média da crítica (Metacritic): 6,8
Média do público (IMDB): 8,1

Starting to Hurt

2007-12-03T03:48:00.000-08:00

It's a long way down, but I feel alright
It's a long way down, but I feel alright
And the cops get in, and the crowd gets tight
Take your tomorrow, pain and your sorrow and teach it how to fly
It's starting to hurt
Starting to hurt
Starting to hurt
Starting to hurt

It's a long way down, but I feel alright
It's a long way down, but I feel alright
And I hope you're here, when I hit the ground
'Cause I'm high on forever, always together, and I'm coming down
It's starting to hurt
Starting to hurt
Starting to hurt
Starting to hurt
Starting to hurt
Starting to hurt
Starting to hurt
Starting to hurt

Coisas que você não vê na MTV

2007-11-28T03:31:00.000-08:00

Foo Fighters - Long Road to Ruin

Conhecidos por seus clipes engraçadinhos, o Foo Fighters mandou muito bem mais uma vez. Dave Grohl faz um astro de novela que depois de alguns acidentes nos bastidores, vira cantor. Seu par romântico é a morenaça Rashida Jones, cria do "The Office".

Kanye West - The Good Life

Nosso rapper favorito aparece neste clipe cheio de cores e efeitos especiais, e versa sobre riqueza, curtição e mulheres. Entre outras coisas, ele diz que gosta das minas do gueto pois elas têm mais bunda do que as modelos.

Paraná 2, Bugni 3

2007-11-25T16:15:00.000-08:00

Amigo é quem vira um jogo quando você pede.

Na luta para fugir do rebaixamento, uma vitória do Paraná contra o Santos neste domingo tornaria o jogo de quarta-feira ainda mais dramático.

20 minutos do segundo tempo. O time da baixada perde por 1 a 0, pressiona pela igualdade, mas nada. Resolvo apelar via sms para uma santista cujos poderes são inquestionáveis.

“Dá pro seu time empatar logo?”, pergunto. Assim que aperto enviar, Fábio Costa faz mais uma de suas trapalhadas, não corta um cruzamento e o placar vai a 2 a 0. A missão parecia impossível, mas é bom nunca menosprezar o efeito Bugni.

Se ela estava vendo o jogo eu não sei, assim como não sabia se aquela minha mensagem seria encarada como mau agouro, diante do timing absurdamente impróprio. Fato é que um pequeno milagre ocorreu, e em 10 minutos a dupla Kleber Pereira/Luciana Bugni anotou 3 vezes, e o Santos virou o jogo para 3 a 2.

Vitória do Corinthians combinada com derrota do Goiás na quarta nos salva.

Diante da bem-vinda mudança, tive que mandar um segundo sms, agora agradecendo. Mais uma vez correndo o (pequeno) risco dela não estar assistindo o jogo e não fazer a mínima idéia do que estava acontecendo. Seja como for, ela respondeu, agora de maneira mais ortodoxa, dispensando os efeitos sob o campo de jogo: “de nada. Se precisar de mais alguma coisa, diga”. Eu sei.

E Lu, essa semana ganhei o campeonato de videogame aqui em casa com seu time. Você teria ficado orgulhosa.

Viagem a Darjeeling

2007-11-24T18:12:00.000-08:00

Há quem possa acusar Wes Anderson de fazer sempre o mesmo filme. O diretor estará, portanto, em boa companhia, já que essa é uma acusação feita diversas vezes a Woody Allen, por exemplo.

O cinema de Wes Anderson é de cores vivas, humor ácido, personagens em constante desencontro com o mundo e famílias em crise. Se este último elemento ainda não era tão presente em “Três é Demais”, o filme com o qual despontou, virou fundamental em “Os Excêntricos Tenembaus” (que lhe deu o status de um dos realizadores mais inventivos da atualidade) e no subestimado “A Vida Marinha com Steve Zissou”.

Em Viagem a Darjeeling o foco é a busca de três irmãos em reencontrar o vínculo afetivo perdido em algum lugar da vida adulta. Para que isso aconteça, o mais velho (Owen Wilson) organiza uma viagem pela Índia, o país mais espiritual do mundo, e basicamente força os caçulas (Adrien Brody e Jason Schawrtzman) a acompanhá-lo.

“Eu me pergunto se nós três poderíamos ser amigos no mundo real, quero dizer, sem sermos irmãos”, pergunta um dos personagens. A resposta vem seca: “Provavelmente a chance seria maior”. O diálogo resume bem o tom do filme. Mas, num lugar tão longe de casa, os três não têm escolha a não ser agarrarem-se um nós outros para terem qualquer sensação de familiaridade.

Do elenco principal, o grande destaque é Jason Schwartzman (que é um dos roteiristas do longa) como Jack, o irmão mais novo. O show do ator começa no sensacional curta-metragem “Hotel Chevalier”, que serve como introdução ao filme e é estrelado por ele e Natalie Portman. O curta é uma daquelas obras que pegam fundo na alma, com alguns dos diálogos mais cruéis da filmografia de Anderson. A história de “Hotel Chevalier” é citada direta ou indiretamente diversas vezes durante Viagem a Darjeeling, então ainda bem que as cópias em exibição nos cinemas contam com ele, fato que a distribuidora só conseguiu confirmar em cima da hora.

Essa introdução faz toda a diferença, já que é inevitável não simpatizar mais com Jack. Sobre a vida pregressa dos outros dois irmãos, fala-se pouco. As únicas coisas que sabemos é que Frank, o mais velho, sofreu um grave acidente de moto e por isso precisa usar uma proteção enorme no rosto e que Peter, o do meio, está prestes a ser pai. Além disso, sabemos que a última vez que o trio esteve reunido foi no funeral do pai, cerca de um ano antes, e que não falam com a mãe há muito tempo.

São ingredientes suficientes para embarcamos no trem e curtir uma viagem na qual comédia e melancolia caminham de mãos dadas. É difícil saber se o trajeto será apreciado por quem não conhece o universo de Wes Anderson. Porém, os fãs do diretor se sentirão extremamente confortáveis, como se estivessem na área VIP.

Viagem a Darjeeling
De: Wes Anderson
Com: Jason Schawrtzman, Owen Wilson, Adrien Brody
Nota: 8,5
Média da crítica (segundo o Metacritic): 6,7
Média do público (segundo o IMDB): 8,1

Tanto

2007-11-22T15:53:00.000-08:00

Se fosse gravar todas as músicas que eu queria que ela ouvisse iam faltar cds, e eu não faria outra coisa. Porque a gente aprendeu lendo Alta Fidelidade que coletâneas são coisas sérias de se fazer. Há uma série de regras: não se coloca duas músicas do mesmo artista do mesmo lado, há de se começar com algo tipo x, manter o clima com algo tipo y.

X & Y é o nome de um disco do Coldplay, e eu queria mostrar a versão que eles fizeram pra “Ring of Fire”, do Johnny Cash. Tocou quando eu estava no ônibus e eu lembrei que essa menina gosta de quem usa camiseta do Johnny Cash. Ela precisa ouvir.

É tanta coisa pra mostrar. E tão pouco tempo. Os fones de ouvido dela estão quebrados, ela não pode trabalhar ouvindo as músicas do Eddie Vedder que eu passei. Ela espera o chefe dela não estar lá. Eu almoço com ele e o faço demorar duas horas. Só pra menina ouvir uma música a mais.

Pacotão Cinéfilo do Feriado

2007-11-22T15:50:00.000-08:00

Um resumo do que foi boa parte dos meus últimos feriados e suas respectivas emendas.

Lírios D’Água
Ganhei ingresso para um festival de cinema francês, e no único horário em que podia ir esse era o filme. Pela sinopse não dava para saber se seria uma boa escolha: “três amigas de 15 anos que praticam nado sincronizado num subúrbio de Paris começam a nutrir sentimentos de desejo e de violência”.
“Confissões de adolescente” em versão piorada, e com a presença de um forte elemento lésbico, deixado de fora na sinopse sabe-se lá por quê. Coitada da família brasileira na fila de trás, que deve ter ficado constrangida.
Nota: 5,0

Noel – Poeta da Vila
Em tempos em que o samba de raiz voltou à moda, nada mais justo que homenagear um dos principais compositores do gênero. A intenção era de fato válida, mas o resultado final deixa a desejar. A trilha sonora agradável (como era de se esperar) e a bela fotografia ficam em segundo plano devido ao roteiro que tenta espremer muita coisa em uma hora e meia de filme e a algumas atuações sofríveis. Camila Pitanga faz o que pode, mas é difícil contracenar com “talentos” como a menina que faz Linda, esposa de Noel, e Supla, o Rei da Mídia, que encarna Mário Lago.
Nota: 4,5

Os Donos da Noite
O filme começa com Eva Mendes sensual como nunca. Só esses primeiros dois minutos já valeriam o ingresso, mas há mais coisa a ser notada neste filme que em alguns momentos lembra “Os Infiltrados”. Joaquin Phoenix (ótimo, como sempre) é gerente de uma boate e esconde da maioria das pessoas que tem irmão e pai policiais. Quando os agentes querem prender um traficante freqüentador assíduo do clube de Phoenix, o protagonista precisa escolher de que lado está. Tragédias servem de catalisador para essa decisão.
Forte e tenso, como os filmes policiais devem ser. Mas a sensação é de que faltou um Scorsese na direção pra elevar a obra a um nível ainda mais alto.
Nota: 7,5

A Casa de Alice
O povo não gosta de ver a si mesmo na tela de cinema. O povo não sabe o que está perdendo. Um grande e realista filme nacional expõe o cotidiano de uma família paulistana de classe média baixa. A mãe, Alice, sonha em largar o emprego de manicure e parece viver esperando algo que lhe tire da rotina. Razões para isso ela tem: marido infiel e filhos emocionalmente distantes dela. É um filme cheio de silêncios desconfortáveis, outros momentos intensos e explosivos e diálogos que você acha que já ouviu em outro lugar. Mas não foi na novela das oito, não. Foi na rua.
Nota: 8,0

Planeta Terror
Metade da espera chegou ao fim. Já está em cartaz a primeira metade do projeto “Grindhouse”, de Robert Rodriguez e Quentin Tarantino. O filme de Rodriguez gira em torno de uma comunidade isolada que sofre o ataque de zumbis sedentos por carnificina. A textura da imagem é estrategicamente piorada, o que é de um charme inegável. Humor negro, closes em decotes e mais uma galeria de personagens para entrar no panteão da cultura pop, a começar pela irresistível Cherry Darling (Rose McGowan). É o melhor filme ruim já feito. Pelo menos até a estréia de “Death Proof”, a metade igualmente podreira de Tarantino.
Nota: 8,0

A Noiva Perfeita
Homem contrata mulher para se passar por sua noiva e assim garantir um pouco de paz junto a família, que lhe cobra casamento. Todo mundo sabe como vai acabar, certo? Mesmo assim, este filme tem momentos realmente imaginativos e engraçados, além de contar com o fato de ser francês e de ter dois atores inspiradíssimos nos papéis principais (Alain Chabat e Charlotte Gainsbourg). É o típico filme feito para agradar como sessão da tarde, mas sem parecer asséptico ou sofrer de falta de personalidade.
Nota: 7,5

Dia Mundial Sem Música

2007-11-21T03:54:00.000-08:00

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Planeta Terra

2007-11-12T06:07:00.000-08:00

O trauma do Tim Festival foi tão grande que me fez desistir do Planeta Terra, mesmo sendo fã de The Rapture e Kasabian, duas das principais atrações. Porém, um dia antes do show uma sábia dupla de amigos conseguiu me convencer a acompanhá-los. Pensei que realmente seria difícil eles fazerem um negócio tão mal organizado logo agora, duas semanas depois do absurdo-Tim. Era a chance de redenção.

Chance que a organização não desperdiçou mesmo. Shows começando rigorosamente no horário, tranqüilidade para comprar bebida e comida, área vip atrás do povão.

O lugar é paulistano ao extremo: um enorme galpão de fábrica abandonado, feio, porém extremamente funcional. É um contraponto à carioca Marina da Glória, que dizem ser um cenário belíssimo.

Vamos aos shows.

Peguei pedaços de Tokyo Police Club e Datarock, e gostei do que vi. O primeiro é uma agradável banda que faz o típico indie rock, o segundo botou a galera para dançar com sua mistura de dance music e rock, que culminou na apoteótica “Time of My Life” (aquela da trilha sonora de “Dirty Dancing”).

Lily Allen, como o leitor mais antigo pode lembrar, já não tinha a moral muito alta comigo. Depois da apresentação, conseguiu perder o pouco que tinha. Assumidamente bêbada, esquecendo as letras e fumando compulsivamente, a inglesinha conseguiu pouco além da apatia da platéia (só quebrada com “Smile”, que ainda assim ficou longe de ser calorosa). As versões anêmicas de Keane (“Everybody’s Changing”) e Blondie (“Heart of Glass”) também não empolgaram.

E olha que eu até dei a ela o benefício da dúvida. Ela entrou no palco mais bonita, com o vento ajudando a deixar seu vestido e cabelo esvoaçantes, e cantando a única música dela que eu realmente gosto (“LDN”). Mas ao mesmo tempo surgiram uns problemas de som, microfonias, que só foram ser acertados lá pelo meio da apresentação. Ah! Lily também empunhou uma guitarra durante uma das músicas, mas não tocou. Mais poser impossível.

De lá para o indie stage, onde os nova-iorquinos do The Rapture iriam tocar. Um show cheio de energia, sem pausa para descanso. Eles fizeram bem em basear o repertório no disco novo, “Pieces of The People We Love”, menos viajante e mais rocker que o anterior.

Com os dois vocalistas se revezando no comando, solos de guitarra e a presença de um sax e um cowbell (o sino que as vacas usam no pescoço) ajudando a criar um som único, o Rapture fez o melhor show da noite, e um dos melhores do ano. “Whoo! Alright, Yeah”, “Don Gon Do It”, “Get Myself Into It” e “House of Jealous Lovers” foram alguns dos pontos altos.

O atraso de meia hora (o único do evento) para o Kasabian subir ao palco principal pode ser justificado como uma forma de garantir que todos os presentes que estavam em outros pontos se dirigissem para a atração que fecharia a noite.

Vestidos como neo-dândis, a banda passou por cima da falta de conhecimento prévio sobre eles que a maioria do público tinha e fez um show potente e grandioso, na tradição das grandes bandas inglesas.

Como as músicas do Kasabian são repletas de “ooo-ooh”, “aaaah-aah” e afins, não foi difícil colocar a galera para cantar junto. Quem já ouviu os dois álbuns do grupo ficou satisfeito em ver que o clima das sessões de gravação foi reproduzido fielmente ao vivo. E a banda demonstrava felicidade clara em estar ali.

Posso estar muito otimista, mas acredito que depois do desastre-Tim as coisas vão começar a mudar definitivamente. O Planeta Terra deu o primeiro passo nesse sentido. Que continue assim.

The Rapture - Get Myself Into It

Uma das mãos para cima era minha.

Mandando Bala

2007-11-09T04:43:00.000-08:00

Clive Owen é atualmente o cara perfeito para encarnar o papel de durão. Paul Giamatti é sempre divertido, e parece uma boa escolha para fazer um vilão. Monica Belucci tem todos os atributos necessários para ser a gostosa da trama. Mas mesmo com a maior boa vontade com o trio, não dá para deixar de reconhecer a verdade: Mandando Bala é um filme ruim.

O curioso é que ele foi concebido assim mesmo, para ser ruim. Para ser tão ruim que seria bom. Mas é tão irritante que não consegue nem essa proeza. Nada contra as cenas de ação mais exageradas dos últimos tempos, que criam o clima de cartoon – o diretor e roteirista Michael Davis assume que as aventuras do Pernalonga foram a inspiração.

O problema é o fiapo de história, que deveria cumprir pelo menos a função de simplesmente não inventar muito e assim não atrapalhar. Na trama pra lá de capenga, Clive Owen é um homem misterioso que se mete no meio de uma conspiração e passa a maior parte do tempo no meio de tiroteios com um bebê no colo. Sabe se lá como, o cara tem noções avançadas de ciência, além de uma inteligência fenomenal e uma sorte de algumas respostas simplesmente brotarem na sua frente quando ele precisa.

Algumas piadas irônicas se salvam, em um filme que tem pelo menos o mérito de ser curto (86 minutos).

Mandando Bala
Direção: Michael Davis
Com: Clive Owen, Paul Giamatti, Monica Belucci
Nota: 4,0
Média da crítica (segundo o Metacritic): 4,9
Média do público (segundo o IMDB): 7,5